Dossier Dossiers

I teen films americani: il cinema per gli adolescenti, il cinema sugli adolescenti Parte terza: Il teen film si rinnova: gli anni '80	American teen pics: movies for teenagers, movies about teenagers Part 3: Revamping teen pics: the '80s
Note: - E' disponibile una versione pdf di questo Dossier. - Alcuni video da YouTube, segnalati dal simbolo forniscono sottotitoli generati automaticamente. Clicca qui per dettagli su come visualizzarli. - Il simbolo indica che il video è disponibile solo direttamente su YouTube.	Notes: - A pdf version of this Dossier is available. - Some YouTube videos, featuring the icon, provide automatically generated subtitles. Click here to see how to visualize them. -  The symbol means that the video is only available directly on YouTube.
1. Nuovi valori, convinzioni e atteggiamenti Gli anni '80 segnano la chiusura di un'epoca e l'ingresso in un nuovo territorio. Mentre i "ribelli" dei decenni precedenti si stavano ora trasformando in adulti stabilizzati, la breve stagione della lotta politica, dei movimenti di "controcultura" e dell'utopia di "pace e amore" stava per finire. L'ondata di nostalgia che aveva travolto l'ultima parte degli anni '70, con il suo ritorno a una presunta "età dell'oro" degli anni '50, che nascondeva una visione piuttosto cupa e pessimistica del presente, fu presto sostituita da un rinnovato interesse per quello stesso "presente", che ora portava nuove promesse - ma questa volta, nessun idealismo, nessuna utopia, nessun "ritorno al passato" (e nemmeno "fuga nel futuro"). Il nuovo presente era annunciato da un ritorno alla tradizione, o meglio, a un nuovo conservatorismo unito ad un rinnovato capitalismo. Il decennio sarebbe stato successivamente ricordato come il trionfo della "Reaganomics" - una posizione politica, economica e culturale che trovò il suo simbolo più evidente negli otto anni dell'amministrazione Reagan (1981-1989) - che in gran parte coincise con il "Thatcherismo" (1979-1990) in Gran Bretagna e altri simili movimenti di destra in altri paesi. Una nuova ondata di liberalismo capitalista fu accompagnata da una rinnovata enfasi su quel vecchio valore americano - l'individualismo - e la sua affermazione di successo professionale, benessere economico e correlato consumismo, che erano le principali ambizioni di coloro che potevano "farcela" (dimenticando, ovviamente, tutti quelli che non riuscivano a farcela). L '"hippy" di pochi anni prima si era rapidamente trasformato nello "yuppie" di Wall Street del nuovo ordine mondiale. Come si comportarono gli adolescenti in questo nuovo ordine? Stephen Tropiano (Nota 1) fa alcune osservazioni illuminanti su come gli adolescenti si sono adattati a cambiamenti così importanti nei valori e negli atteggiamenti: diversi sondaggi hanno rivelato che non solo una netta maggioranza accettava gli stati d'animo prevalenti del tempo, ma in realtà ammirava Reagan, dichiarandosi "religiosi ", facendo molto meno uso di droghe, essendo favorevoli alle leggi contro la tossicodipendenza e chiedendo persino che i loro insegnanti assegnassero più compiti a casa. Il nucleo del nuovo ordine era ovviamente il "denaro" e tutte le sue implicazioni, come fare soldi attraverso un'istruzione superiore appropriata e l'accesso a posti di lavoro redditizi, e spendere gli stessi soldi acquistando la gamma sempre più ampia di prodotti che l'industria (con l'industria dell'intrattenimento in prima linea) era fin troppo ansiosa di fornire. Questo atteggiamento "materialista" ha segnato la vita ordinaria degli adolescenti fin dall'inizio, con i giovani che hanno iniziato a lavorare nel tempo libero per potersi permettere serate e altri passatempi desiderabili. Il presente doveva essere goduto, ma anche il futuro era spesso visto come un'opportunità per migliorare il proprio tenore di vita. Tuttavia, un simile atteggiamento non racconta l'intera storia. Gli adolescenti dovevano ancora confrontarsi con i problemi che i loro genitori (e nonni) avevano dovuto affrontare. Altri sondaggi hanno chiarito che le preoccupazioni tipiche degli adolescenti, come uscire e fare sesso, erano in cima alla loro agenda, seguite da questioni più problematiche come l'alcolismo, il suicidio e la gravidanza adolescenziale. E, per sottolineare le contraddizioni dell'epoca, i tassi di suicidio crescevano (e talvolta si diffondevano all'interno di una comunità) e, verso la metà degli anni Ottanta, il consumo di droga, soprattutto cocaina, stava riprendendo. Gli ultimi anni '80 hanno in parte cambiato questo scenario con la diffusione dell'AIDS e di tutte le sue conseguenze, e il rifiuto dell'amministrazione Reagan di promuovere la contraccezione tra gli adolescenti ha solo peggiorato problemi come gravidanze indesiderate, malattie sessualmente trasmissibili e soprattutto l'AIDS. L'educazione sessuale significava astinenza o, per dirla con le parole di Nancy Reagon, "Dì solo di no". Naturalmente, tali appelli non hanno impedito agli adolescenti di avere rapporti sessuali (spesso non sicuri) e di mantenere questioni come la verginità e il sesso al centro delle loro preoccupazioni - e i film per adolescenti sono lì a testimoniarlo, nonostante i tentativi chiari e frequenti di gruppi conservatori di censurare non solo i film, ma libri, testi delle canzoni e persino lezioni di educazione pubblica (Reagan sosteneva l'insegnamento del creazionismo insieme all'evoluzionismo ...). 2. Nuove (e rinnovate) ondate di film per adolescenti In tutti i decenni precedenti, gli adolescenti (ormai intesi non solo come "teenagers", ma anche come ventenni) erano diventati definitivamente, in termini numerici ma soprattutto in termini di guadagni al botteghino, i più redditizio e quindi il più importante pubblico cinematografico. Questa tendenza è continuata negli anni '80 ed è stata una delle ragioni principali dell'enorme successo della nuova categoria dei "blockbuster" (l'opposto dei cosiddetti "B-movies", ovvero film a basso budget e spesso a basso profitto), emersa alla fine degli anni '70 con film come Lo squalo (1975), Star Wars (1977), Superman (1978) e Alien (1979) - tutti titoli che hanno generato prequel, sequel e remake nei decenni successivi e fino ad oggi. Nel frattempo, i modi in cui i film venivano consumati, e non solo prodotti, stavano cambiando rapidamente. I drive-in all'aperto, che ora associamo facilmente agli anni '50 e '60, furono rapidamente sostituiti dai teatri multiplex, che sono diventati un punto fermo prima dei centri commerciali all'aperto e subito dopo dei centri commerciali al coperto: questi erano i luoghi in cui i giovani potevano ritrovarsi, impiegare il loro tempo (e denaro) e, soprattutto, ricevere un'offerta di film per soddisfare tutti i tipi di gusti. Non c'è da stupirsi che questi ragazzi sarebbero stati successivamente chiamati "generazione multiplex" (Nota 2). Altri sviluppi tecnologici stavano cambiando il modo in cui i film venivano prodotti e distribuiti. La diffusione dell'home entertainment con registratori, cassette VHS e successivamente DVD, e la possibilità di noleggiare, oltre che acquistare, film, ha fatto sì che si potessero sviluppare prodotti specifici con destinazione "straight-to-video", ovvero senza distribuzione nelle sale - e questo ha aperto ancora una volta la strada alla produzione di film con budget limitati (una volta chiamati B-movie). L'attenzione che il cinema mainstream di Hollywood ha sempre prestato al mercato degli adolescenti è dimostrata dal fatto che adolescenti sono stati scelti come personaggi in film non specificatamente destinati ai "teenagers", così come dal rinnovamento del "film per adolescenti" in generale e dei suoi "sottogeneri", che riflettevano almeno in parte i tradizionali "cicli" dei decenni precedenti. I tre sottogeneri principali che possono essere considerati i più rappresentativi dei teen pics degli anni '80 sono i film horror (o "slasher"), le commedie sessuali e i drammi o "commedie drammatiche". Tuttavia, molti film per adolescenti di questo periodo non possono essere facilmente assegnati a un particolare sottogenere e argomenti, situazioni e tipi di personaggi erano spesso condivisi da generi diversi: il liceo, il ballo di fine anno e il centro commerciale, ad esempio, spesso appaiono come ambientazioni in diversi tipi di film e il sesso è un punto fermo della maggior parte dei film per adolescenti del decennio. Come sempre, non dobbiamo dimenticare che un "film per adolescenti" riflette praticamente sempre una visione adulta, e l'"autoconsapevolezza" di molti film riguardo alla loro stessa essenza di film incentrati soprattutto sugli adolescenti è un altro tratto distintivo del periodo. 3. Il sottogenere horror/slasher Fin dalla sua comparsa negli anni '50 (vedi la Prima parte), il genere teen horror non era mai scomparso dagli schermi, anche se gli anni '70 verranno ricordati principalmente grazie a due diversi film che, significativamente, hanno visto protagonisti adolescenti di fronte alla difficile transizione all'età adulta, come in L'esorcista (di William Friedkin, USA 1973) e Carrie (di Brian De Palma, USA 1976), che stabilirono nuovi standard per il genere. Negli anni '80 l'horror fu ravvivato dall'enorme successo di alcuni film che, pur non essendo specificamente rivolti agli adolescenti, li rivide come protagonisti (vedi i video qui sotto): è il caso di Halloween: la notte delle streghe, in cui uno psicopatico fugge da un manicomio, torna nel luogo in cui aveva commesso il suo crimine originale e inizia una nuova orribile serie di omicidi, identificando nella sorella, la brava studentessa Laurie (Jamie Lee Curtis, nel suo primo ruolo importante) come suo obiettivo principale. In Venerdì 13, un lago maledetto e il campeggio adiacente sono lo scenario di un'orribile serie di morti che coinvolgono un gruppo di adolescenti, ignari del destino che li attende. In Nightmare - dal profondo della notte (il film d'esordio di Johnny Depp), un "uomo nero" che indossa un guanto speciale dotato di lame affilate entra nei sogni degli adolescenti - e questo è l'unico modo in cui può effettivamente ucciderli (quindi, in un certo senso, i giovani sono responsabili perchè permettono al killer di entrare nella realtà). Tali film, che hanno avuto un tale successo da generare diversi sequel, remake e altri film correlati, hanno notevolmente innalzato il livello di horror reso visibile sullo schermo, fino al punto di essere chiamati film "slasher" e/o "splatter", riferendosi alla quantità e alla gamma di modi orribili e sanguinosi in cui gli adolescenti hanno incontrato la morte (difficilmente paragonabile, tuttavia, agli ulteriori sviluppi del genere nei decenni a seguire).	1. New values, beliefs and attitudes The 1980s marked the closure of an era and the entrance into new territory. As the "rebels" of the previous decades were now turning into settled-down adults, the short-lived season of political struggle, of "counterculture" movements and of "peace and love" utopia was coming to an end. The wave of nostalgia that had swept over the latter part of the '70s, with its return to a supposedly "golden age" of the '50s, hiding a rather sombre and pessimistic view of the present, was soon replaced by a renewed interest in that same "present", which was now holding new promises - but this time, no idealism, no utopia, no "back to the past" (and neither "off to the future"). The new present was heralded by a return to tradition, or rather, a new conservatism coupled with a renewed capitalism. The decade would later be recalled as the triumph of "Reaganomics" - a political, economic and cultural stance which found its most obvious symbol in the eight years of the Reagan administration (1981-1989) - which largely coincided with the "Thatcherism" (1979-1990) in Britain and other similar right-wing movements in other countries. A new wave of capitalist liberalism was matched with a renewed emphasis on that old American value - individualism - and its affirmation of professional success, economic welfare and related consumerism that were the main ambitions of those who could "make it" (forgetting, of course, all about all those who could not make it). The "hippy" of just a few years earlier had quickly turned into the Wall Street "yuppie" of the new world order. How did teens fare in this order? Stephen Tropiano (Note 1) makes a few illuminating remarks about how teenagers adapted to such major changes in values and attitudes: several surveys revealed that not only did a clear majority accept the prevalent moods of the time, but actually admired Reagan, declared themselves "religious", made much less use of drugs, were in favour of laws against drug addiction and even wanted their teachers to assign more homework. The core of the new order was obviously "money" and all its implications, like making money through appropriate higher education and access to profitable jobs, and spending that same money by buying the increasingly wider range of products that the industry (with the entertainment industry at the forefront) was only too eager to provide. This "materialistic" attitude marked teenagers' ordinary lives right from the start, with youths taking up jobs in their free time in order to be able to afford nights out and other desirable pastimes. The present was to be enjoyed, but even the future was often seen as an opportunity to raise one's standard of living. However, such an attitude does not tell the whole story. Teenagers were still confronted with the problems that their parents (and grandparents) had faced. Other surveys made it clear that typical teenage concerns, like dating and having sex, were high on their agenda, followed by more problematic issues like alcoholism, suicide and teen pregnancy. And, to underline the contradictions of the time, the suicide rates were growing (and sometimes spreading within a community) and, by the mid-eighties, drug consumption, especially cocaine, was developing again. The latter '80s partly changed this scenario with the spread of AIDS and all its related consequences, and the refusal of the Reagan administration to promote contraception among teenagers only made problems like unwanted pregnancies, sexually-transmitted diseases, and especially AIDS, even worse. Sex education meant abstinence, or, to put it in Nancy Reagon's words, "Just say no". Of course, such appeals did not prevent teenagers from having (often un-safe) sex and to keep issues like virginity and sex at the core of their concerns - and teen movies are there to testify it, despite clear and frequent attempts by conservative groups to censor not just movies, but books, record lyrics and even public education classes (Reagan supported the teaching of creationism alongside evolution ...). 2. New (and renewed) waves of teen pics Through all the previous decades, teenagers (by now meaning not just "people in their teens" but also people in their twenties) had definitely become, in terms of numbers but above all in terms of box-office gains, the most profitable, and thus the most important, film audience. This trend continued in the '80s and was one of the main reasons for the huge success of the new category of "blockbusters" (the opposite of the so-called "B-movies", i.e. low-budget and often low-profit films)  that had emerged in the late '70s with films like Jaws (1975), Star Wars (1977), Superman (1978) and Alien (1979) - all titles that spawned prequels, sequels and remakes in the following decades and up to the present. In the meantime, the ways in which movies were consumed, and not just produced, were changing fast. Open-air drive-ins, which we now easily associate with the '50s and '60s, were quickly being replaced by multiplex theatres, which became a staple first of outdoor shopping centres and soon afterwards of indoor shopping malls - these were places where youths could gather, spend their time (and money) and, above all, be offered a range of movies to satisfy all kinds of tastes. No wonder these teens would later be called "generation multiplex" (Note 2). Other technological developments were changing the ways films were produced and distributed. The diffusion of home entertainment with tape-recorders, VHS cassettes, and later DVDs, and the possibility of renting, in addition to buying,  films, also meant that specific products could be developed with a "straight-to-video" destination, i.e. with no theatrical distribution - and this once again opened the way to the production of movies with limited budgets (once called B-movies). The attention that Hollywood mainstream cinema was always paying to the teen market showed in the fact that teenagers were cast as characters in non-teenpics, as well as in the revamping of the "teen movie" in general and of its "sub-genres", which at least partially reflected the traditional "cycles" of the previous decades. The three major subgenres which can be considered as mostly representative of the '80s teen pics are the horror (or "slasher") movies, the sex comedies and the more "serious" dramas or comedy-dramas. However, many teen pics of this period cannot be easily assigned to a particular subgenre, and topics, situations and character types were often shared by different genres: the high school, the prom and the shopping mall, for example, often appear as settings in several kinds of movies, and sex is a staple of most teen films of the decade. As ever, we should not forget that a "teen movie" virtually always reflects an adult vision, and the "self-consciousness" of many films as regards their very essence of movies especially focussing on teenagers is another distinctive feature of the period. 3. The horror/slasher subgenre Since its appearance in the '50s (see Part 1), the teen horror genre had never disappeared from the screens, although in the '70s it will mainly be remembered thanks to two different movies which, significantly, featured adolescent characters facing the difficult transition to adulthood, as in The exorcist (by William Friedkin, USA 1973) and Carrie (by Brian De Palma, USA 1976), which set new standards for the genre. In the '80s, horror was revived by the huge success of a few movies which, although not specifically targeted at teenagers, saw them once again as main characters (see videos below): such was the case with Halloween, in which a psychopath escapes an asylum and comes back to the place where he had committed its original crime and starts a horrible new series of killings, with his sister, good student Laurie (Jamie Lee Curtis, in her debut role) as his primary target. In Friday the 13th, an ill-fated lake and its adjoining campsite are the settings for a horrific series of deaths involving a group of teenagers, unaware of the fate that is to befall them. In A nightmare on Elm Street (the debut film for Johnny Depp), a "boogey man" wearing a special glove fitted with sharp blades enters the dreams of teenagers - and this is the only way in which he can actually kill them (so, in a way, youths are responsible for allowing the killer to cross over to reality). Such films, which were so successful as to spawn several sequels, remakes and other related movies, considerably raised the level of horror made visible on the screen, up to the point of being called "slasher" and/or "splatter" movies, referring to the amount and range of horrible, bloody ways in which teenagers met their death (hardly to be compared, however, with the further developments of the genre in the decades to follow).
Halloween: la notte delle streghe/Halloween (di/by John Carpenter, USA 1978)
Italiano                                                                                                          English Venerdì 13/Friday the 13th (di/by Sean S. Cunnningham, USA 1980)
Nightmare - Dal profondo della notte/A nightmare on Elm Street (di/by Wes Craven, USA 1984)
Il successo di tali film solleva la classica questione del perché gli adolescenti (o chiunque altro, se è per questo) dovrebbero voler assistere a spettacoli così orribili e che tipo di piacere potrebbero trarne (vedi il dossier "Perché paghiamo per farci spaventare? La paradossale attrazione del cinema horror"). Si può semplicemente presumere che questi film di "orrore per adolescenti" attingano alle paure degli adolescenti rispetto ai cambiamenti corporei, alla loro instabilità emotiva, all'essere diversi e abbandonati a se stessi in tali situazioni difficili dai loro genitori (che in realtà sono assenti o inefficienti in tutti questi film) - o possono fornire agli adolescenti una via d'uscita, anche se virtuale o metaforica, dalle loro paure, proiettando tali paure dalla realtà sullo schermo, e quindi facendoli sentire, dopotutto, non così in pericolo - puoi addirittura uscire dal cinema sentendoti più forte perché sei sopravvissuto. Tuttavia, anche le ambientazioni di questi film dell'orrore sono significative, poiché si svolgono tutti in quelle che potrebbero essere considerate come "zone di sicurezza" (come scuole, colonie di vacanze, feste in casa), cioè comunità che risultano essere esattamente l'opposto - il regno dell'ipocrisia e dell'odio degli adulti, con il definitivo declino del sogno americano. Così, mentre gli adolescenti dei decenni precedenti avevano sofferto dell'autorità repressiva e patriarcale delle loro famiglie, questi "nuovi" adolescenti venivano lasciati soli da una generazione di genitori che non poteva o non voleva prendersi cura di loro. Ciò che colpisce particolarmente in questo sottogenere è, tuttavia, la connessione spesso esplicita tra violenza e sesso: le vittime sono praticamente tutte ragazze, e soprattutto le ragazze che hanno appena fatto sesso, o lo faranno, o sono in qualche modo inclini al sesso e che sono, in generale, moralmente trasgressive (non solo sessualmente, ma anche usando droghe o semplicemente facendo una festa di troppo). Si potrebbe fare l'ovvio collegamento ai commenti che abbiamo fatto sopra sulla sessualità degli adolescenti negli anni '80: ai giovani, cioè, verrebbe chiaramente insegnato quanto può essere pericoloso il sesso; tuttavia, il fatto interessante da notare è che di solito c'è un'adolescente che sopravvive alla fine, e questa è quasi esclusivamente una ragazza - quella che è stata definita dalle critiche femministe "la ragazza finale" che riesce a sfuggire all'assassino o ad ucciderlo/la, dopo aver assistito all'omicidio brutale di tutti i suoi amici in una lunga sequenza di azioni orribili: "Le donne in questi film sono tipicamente ritratte come indipendenti, come sessuali, mentre si godono la vita, e l'assassino, in genere - non sempre ma il più delle volte - è un uomo che è sessualmente frustrato da queste nuove donne aggressive, e quindi si rivolta contro di loro. Lancia loro coltelli. Non è in grado di rapportarsi con loro. Le fa a pezzi, le uccide." (Nota 3) Alla fine, e come regola generale, gli adolescenti vengono ritratti come vittime delle proprie debolezze e, in assenza di qualsiasi autorità o aiuto genitoriale (significativamente, genitori e adulti sono assenti o si intravvedono appena) devono affrontare qualche tipo di punizione proveniente da altre fonti (naturali o soprannaturali). Alla fine, devono fare affidamento sulla loro autostima ed essere pronti a sviluppare la fiducia e le capacità necessarie per "buttare letteralmente fuori" l'assassino dai loro sogni, come sembrano suggerire i film della serie Nightmare. Il regista Wes Craven "deve anche essersi reso conto che solo alcuni personaggi sopravvivono e che le loro azioni incarnano qualità umane particolarmente ammirevoli come integrità, intelligenza, purezza e lealtà" (Nota 4). Ciò può in parte spiegare come le successive ondate di film horror (come la serie Scream, iniziata dallo stesso Wes Craven nel 1996) avrebbero ulteriormente rilanciato il genere introducendo non solo assassini intelligenti, ma anche ragazzi altrettanto intelligenti per combatterli. 4. Il sottogenere delle commedie sessuali Il sesso è sempre stato un tema centrale nei film per adolescenti, ma si è dovuto aspettare gli anni '80 per vedere descrizioni volgari e in un certo senso oltraggiose di ciò su cui era fissata la mente dei ragazzi e su come poter dare visibilità a queste "fissazioni". Porky's (vedi il video qui sotto a sinistra), un film canadese, fu molto crudo nel rappresentare la sessualità, in termini di maschio attivo che compie atti osceni nei confronti di una femmina passiva, vista principalmente come un oggetto. Il film, che generò due sequel, era anche "innovativo" nel senso che la sessualità maschile era indissolubilmente legata al tema del "fare sesso", ovvero la perdita della verginità, che inizialmente era un affare maschile ma presto sarebbe stato condiviso anche dalle ragazze. Il "raggiungimento della maggiore età" veniva così reintrodotto con una chiara enfasi sull'aspetto sessuale, con l'implicazione che la perdita della verginità fosse una componente inevitabile di questo "rito di passaggio". È vero che, nonostante gli atteggiamenti conservatori nei confronti della sessualità adolescenziale, questi erano gli anni in cui l'età del primo rapporto sessuale stava rapidamente diminuendo (fino a quando la crisi dell'AIDS non aggiunse una nuova prospettiva a metà degli anni '80). I titoli di questa gamma di nuove commedie sessuali sono di per sè molto espliciti, ad es. L'ultima vergine americana, Perderla, Screwballs ... solo per citarne alcuni.	The success of such movies raises the classical question of why teenagers (or anybody else, for that matter) should want to attend such horrific shows and what kind of pleasure they might get out of them (see the Dossier "Why do we pay to get scared? The paradoxical lure of horror films"). One may just assume that such "teen horror" movies tap into adolescents' fears of their changing body becoming sexual, of their emotional instability, of being different and abandoned to themselves in such plights by their parents (who are actually either absent or ineffective in all such films) - or they may provide teens with a, albeit virtual or metaphorical, way out of their fears, projecting such fears out of reality and onto the screen, and thus making them feel not so much in danger after all - you can even exit the theatre feeling stronger because you have survived. However, the settings of these horror movies are meaningful as well, since they all take place in what could be considered as safe  "comfort zones" (like schools, holiday camps, home parties), i.e. communities that turn out to be just the opposite, as the realm of adult hypocrisy and hatred - the ultimate decline and fall of the American dream. So, while the teenagers of previous decades had suffered from the repressive, patriarchal auhority of their families, these "new" teenagers are left alone by a generation of parents who can't or won't care for them. What particularly strikes in this subgenre is, however, the often explicit connection between violence and sex: the victims are practically all girls and especially girls who have just had sex, or are going to have it, or are in any way sex-prone and, generally speaking, morally transgressive (not just sexually, but also by using drugs or simply having one party too much). One could make the obvious link to the comments we made above on teen sexuality in the '80s, so that youths are clearly taught how dangerous sex can be; however, the interesting fact to note here is that there is usually a teenager who survives at the end, and this is almost exclusively a girl - what has been called by feminist critics "the final girl" who manages to escape the killer or kill him/her, after witnessing all her friends brutally murdered in one long sequence of horrific deeds: "The women in these films are typically portrayed as independent, as sexual, as enjoying life, and the killer, typically - not all the time but most often - is a man who is sexually frustrated with these new aggressive women, and so he strikes back at them. He throws knives at them. He can't deal with them. He cuts them up, he kills them" (Note 3) In the end, and as a general rule, teenagers are portrayed as victims of their own weaknesses and, in the absence of any parental authority and/or help (significantly, parents and adults are absent or hardly seen) they have to face some kind of punishment coming from other sources (natural or supernatural).  In the end, they must rely on their self-esteem and be ready to develop the necessary confidence and skills to literally "throw" the killer out of their dreams, as the Nightmare films seem to suggest. Director Wes Craven "must have also realised that only certain characters survive, and that their actions embody particularly admirable human qualities such as integrity, intelligence, purity and loyalty" (Note 4). This can partly explain how subsequent waves of horror movies (like the Scream series, started by the same Wes Craven in 1996) would further revive the genre by introducting not just smart killers, but also correspondingly smart kids to fight them. 4. The sex comedies subgenre Sex had always been a central issues in teen pics, but apparently one had to wait for the '80s to be provided with raunchy, "vulgar" and in a way outrageous descriptions of what boys' mind in high school was set on and the way it could be given visual exposure. Porky's (see video below left), a Canadian film, was crude in depicting sexuality in terms of the active male as the subject of lewd acts towards a passive female seen mainly as an object. The film, which had two sequels, was also "innovative" in the sense that male sexuality was inextricably linked to the theme of "getting laid", or losing one's virginity, which was initially a male affair but would soon be shared by girls too. "Coming of age" was thus re-introduced with a clear emphasis on the sexual aspect, with the implication that losing virginity was an inevitable component of this "rite of passage". It is true that, despite the conservative attitudes towards teen sexuality, these were the years when the age of first intercourse was rapidly decreasing (until the AIDS crisis added a new perspective in the middle '80s). The titles of this range of new sex comedies tell all the story, e.g. The last American virgin, Losin' it, Getting it on, Screwballs ... to name just a few.
"È una specie di spada a doppio taglio, non è vero? ... Se dici di non averlo fatto ... sei una santerellina. Se dici di averlo fatto ... sei una puttana! È una trappola. Lo vuoi fare ma non puoi, ma quando lo fai vorresti non farlo, giusto? " Alison in The Breakfast Club (vedi sotto) "La verginità è un importante elemento ricorrente del film per adolescenti per diversi motivi. È un luogo in cui vedere la negoziazione della scelta individuale e delle norme socialmente stabilite. Incrocia esperienze dell'adolescenza storicamente specifiche e centrate sul "genere" con l'opposizione politica tra tradizione e cambiamento. È un indicatore psicologico che rimane interno all'adolescenza, riferendosi alle sue origini nelle idee sulla pubertà e al suo destino nelle immagini dell'età adulta (e della potenziale genitorialità)." (Nota 5	"It’s kind of a double-edged sword, isn’t it? . . . If you say you haven’t . . . you’re a prude. If you say you have . . . you’re a slut! It’s a trap. You want to but you can’t but when you do you wish you didn’t, right?" Alison in The Breakfast Club (see below) "Virginity is an important recurring element of teen film for several reasons. It is one place in which to see the negotiation of individual choice and socially established norms. It intersects historically specific and highly gendered experiences of adolescence with the political opposition between tradition and change. It is a psychological marker that remains internal to adolescence, referring to its origins in ideas about puberty and its destiny in images of adulthood (and potential parenthood)." (Note 5)
Ma gli anni '80 furono altrettanto imperniati sugli affari e sul successo finanziario - e niente potrebbe essere più eccitante di "sesso + affari". Ecco di cosa tratta Risky business - Fuori i vecchi ... i figli ballano (vedi il video qui sotto a destra): Joel (Tom Cruise, in uno dei suoi più importanti ruoli di esordio), un 17enne arrapato non soltanto risolve rapidamente il "problema della verginità" con una professionista più anziana di lui, ma, in assenza del padre, trasforma la sua casa in un bordello - con soddisfazione di tutte le parti coinvolte: i suoi amici, le "professioniste" che impiega e se stesso nel suo nuovo ruolo di imprenditore. E, oltre a tutto ciò, Joel invita il responsabile dell'ufficio ammissioni della Princeton University a "unirsi al club" - e l'uomo è così soddisfatto di ciò che gli viene offerto che i voti di Joel (che di certo non erano molto brillanti) cambiano presto e Joel viene ammesso al prestigioso college. Suo padre, ignaro di quello che è successo in sua assenza, alla fine si congratula con lui e i due concordano sul fatto che "correre rischi" è ancora il buon vecchio modo di tirare avanti. Quindi il film potrebbe essere visto come una satira dei tempi, ma insiste anche sulla rappresentazione comica di un esempio così riuscito di buon capitalismo americano - per non parlare del fatto che l'autorità patriarcale viene riaffermata, insieme a un misoginismo che è reso ancora più spregevole dal fatto di essere al servizio del successo finanziario del maschio.	But the '80s were just as keen on business and financial success - and nothing could be more exciting that "sex + business". That's what Risky business (see video below right) is all about: a horny 17-year-old, Joel (Tom Cruise, in one of his most important debut roles) does not just quickly solve the "virginity problem" with a professional older female, but, in his father's absence, turns his house into a brothel - to the satisfaction of all parties involved: his friends, the professionals he employs, and himself in his new role as an entrepreneur. And, on top of all that, Joel invites the admissions office from Princeton University to "join the club" - and the officer is so satisfied with what he's offered that Joel's grades (which were certainly not very brilliant) soon change and Joel is granted admission to the prestigious college. His father, unaware of what has been going on in his absence, eventually congratulates Joel and the two agree that "taking chances" is still the good old way to get along. Thus the film could be seen as a satire of the times, but it also revels in the comic depiction of such a successful example of good American capitalism - not to mention that patriarchal authority is reaffirmed, together with a mysoginism which is even more despicable by being at the service of the male's financial exploit.
Porky's - Questi pazzi pazzi porcelloni/Porky's (di/by Bob Clark, Canada 1981)	Risky business - Fuori i vecchi ... i figli ballano/Risky business (di/by Paul Brickman, USA 1983)
Sebbene in superficie tratti dello stesso argomento, Fast times at Ridgemont High (vedi il video qui sotto a sinistra) ha un tono molto diverso. Basato su un libro/sondaggio (in parte autobiografico) del futuro regista Cameron Crowe, è uno dei primi film di questo tipo diretti da una donna, Amy Heckerling (che avrebbe diretto altre commedie come Ragazze a Beverly Hills, American school e i primi due film della serie di grande successo Senti chi parla, con John Travolta). Gli studenti di un college californiano trascorrono il loro tempo lavorando part-time, fumando marijuana e facendo surf (oltre a, si può supporre, magari anche studiare ...). Ancora una volta, la preoccupazione principale di ragazzi e ragazze sembra essere quella di come perdere la verginità, ma c'è poco del tono farsesco e volgare sia di Porky's che di Risky Business - il ritratto di questi giovani, che sembrano essere l'incarnazione perfetta degli adolescenti americani dell'era Reagan nel loro perenne stato di confusione e incertezza, è onesto, sincero e, soprattutto, non giudicante nei confronti dei "tempi veloci" che questi giovani sembrano attraversare nella loro ricerca del "raggiungimento della maggiore età" ". E per una volta, i personaggi femminili hanno piena libertà d'azione e non sono semplicemente un'appendice della condizione maschile.	Although on the surface dealing with the same subject-matter, Fast times at Ridgemont High (see the video below right) is very different in tone. Based on a (partly autobiographical) book/survey by future director Cameron Crowe, it is one of the first movies of this kind directed by a woman, Amy Heckerling (who would go on to direct other comedies like Clueless, American school, and the first two highly successful Look who's talking, with John Travolta). The students at a Californian college spend their time by working part-time, smoking marijuana and surfing (in addition to, one may suppose, studying ...). Once again, the main concern of both boys and girls seems to be how to lose their virginity, but there is little of the farcical and raunchy tone of both Porky's and Risky business - the portrayal of these youths, who seem to be the perfect embodiment of the American teens of the Reagan era in their perennial state of confusion and uncertainty, is honest, sincere and, above all, non-judgmental towards the "fast times" that these youths seem to go through in their quest for "coming of age". And for once, female characters are given full scope and are not simply an appendage of the male condition.
Italiano                                                                                                           English Fuori di testa/Fast times at Ridgemont High (di/by Amy Herckerling, USA 1982)
5. I film di John Hugues Gli adolescenti degli anni '80 non erano tutti intenzionati solo a fare sesso, o almeno a divertirsi. C'erano altri sottogeneri che prendevano le cose più seriamente e si proponevano di ritrarre ed esplorare i problemi e le difficoltà degli adolescenti con una visione più seria, se non sempre realistica. Una serie di film diretti e/o prodotti da John Hughes nell'arco di pochi anni sono diventati un punto di riferimento essenziale per i teen pics degli anni '80 e oltre, non perché offrono una rappresentazione davvero approfondita della condizione adolescenziale (che è ancora focalizzata sul tipo di classe media, bianco, borghese, suburbano), ma principalmente perché stabiliscono una serie di tipi di carattere e situazioni/ambientazioni che sono, da una parte, simboli di un'epoca particolare, e, dall'altra parte, una rappresentazione dei problemi e preoccupazioni adolescenziali che, più in generale, è stata in grado di entrare in risonanza con pubblici giovanili contemporanei e successivi. Il più noto, e probabilmente il migliore, di questi film è The Breakfast Club (vedi il video sotto), che ha introdotto una serie di personaggi rappresentativi di una fascia di giovani che possono essere considerati tipici del sistema scolastico sociale e culturale americano. Cinque studenti, per motivi non del tutto chiari, sono costretti a trascorrere un sabato "in punizione", con il compito di scrivere un saggio che descriva "chi credi di essere", sotto la (poco appariscente) supervisione di uno dei loro insegnanti. Esternamente, questi giovani non potrebbero essere più diversi l'uno dall'altro, poiché rappresentano personaggi che i film per teenager avevano già introdotto, ma che qui sono illustrati con tanta chiarezza e precisione da trasformarli in stereotipi: Brian "il cervellone sfigato", Andrew "l'atleta", Allison "la ribelle ", Bender" la "giovane delinquente" "e Claire "la ragazza popolare". L'intera azione si svolge nello spazio ristretto di una palestra, e questo aumenta il senso di "privacy" e "intimità" che gradualmente si sviluppa. All'inizio semplicemente irritati dall'essere tenuti "prigionieri" per un giorno intero, iniziano poi ad "aprirsi", parlando di quasi tutte le comuni preoccupazioni adolescenziali, dal sesso alla famiglia, dallo sport alla droga, dalla ricchezza alla popolarità, e persino dall'ansia adolescenziale al suicidio. Alla fine della giornata riveleranno molto delle loro preoccupazioni più intime e, anche se si limitano ai loro ruoli "autoimposti", impareranno che possono condividere molto di più di quanto si aspettassero - le loro paure e sentimenti dopotutto sono più o meno gli stessi. Hughes è attento a variare i toni delle loro auto-rivelazioni, rendendole a volte serie, a volte divertenti, ma sempre strettamente connesse con la vita interiore di questi ragazzi e ragazze. E quando, come probabilmente ci si potrebbe aspettare, allo "sfigato" verrà lasciato il compito di scrivere il saggio richiesto, non tradirà le immagini che il pubblico ha finora costruito su di loro - ma allo stesso tempo riaffermerà le etichette che proprio dall'inizio sono state loro assegnate, non aggiungendo quindi nulla alla conoscenza che l'insegnante (e il pubblico) può avere di loro: "Caro signor Vernon, Accettiamo il fatto che abbiamo dovuto sacrificare un intero sabato "in punizione" per qualunque cosa abbiamo fatto di sbagliato. Ma pensiamo che lei sia pazzo a farci scrivere un saggio che le racconti chi pensiamo di essere. Lei ci vede come vuole vederci - nei termini più semplici, nelle definizioni più convenienti, ma quello che abbiamo scoperto è che ognuno di noi è un cervellone, un atleta, una ribelle, una principessa e un criminale. Questo risponde alla sua domanda? Cordialmente, The Breakfast Club " "Sia Fast Times che Breakfast Club presentano i cinque personaggi fondamentali dei film scolastici che permeano il sottogenere: "nerd" intellettuali ed essenzialmente repressi (e quindi occasionalmente aggressivi); ragazzi e ragazze delinquenti "dalla parte sbagliata" che pagano per il loro crimini o imparano a cambiare; ribelli psicologicamente sconvolti che possono dilettarsi nel crimine ma di solito cercano uno sbocco più accettabile per il loro malessere; tipi "popolari" che tutti a scuola conoscono e che sostengono il loro status attraverso la moda, l'aspetto e l'atteggiamento; e atleti, di solito mostrati fisicamente concentrati e più orgogliosi delle loro controparti, dediti a un determinato sport ma anche sorprendentemente emotivi ". (Nota 6)	5. The John Hugues films Teenagers in the '80s were not all just bent on having sex, or a least a good time. There were other sub-genres which took things more seriously and set out to portray and explore teens' problems and plights with a more earnest, if not always realistic, concern. A series of films directed and/or produced by John Hughes over a span of just a few years have become an essential point of reference for teen pics of the '80s and beyond, not because they offer a really in-depth depiction of the teen condition (which is still focused on the average, white, middle-class, suburban type), but mainly because they establish a series of character types and situations/settings that are both symbols of a particular era and a portrayal of teen pressures and concerns that, more generally, were able to resonate with contemporary, as well as later, teen audiences. The best known, and probably the best, of these films is The Breakfast Club (see video below), which introduced a number of characters representative of a range of youths which could be considered typical of the social and cultural American high school system. Five students, for reasons which are not entirely clear, are forced to spend one Saturday "in detention", with the task of writing an essay describing "who you think you are", under the (rather unconspicuous) supervision of one of their teachers. Apparently, these youths couldn't be more different from one another, as they typify figures that teen pics had already introduced, but were here presented with such clarity and precision to turn them into stereotypes: Brian the "nerd", Andrew "the jock", Allison "the rebel", Bender "the juvenile delinquent" and Claire "the popular girl". The whole action takes place in the restricted space of a gym, and this adds to the sense of "privacy" and "intimacy" that gradually develops. At first simply irritated by being held "prisoners" for a whole day, they start to "open up": by talking about almost every common teen concern, from sex to family, from sports to drugs, from wealth to popularity and even teen anxiety and suicide, by the end of the day they will reveal a lot about their most intimate worries and, even if they stick to their self-imposed roles, they will learn that they can share much more than they had expected - their fears and feelings are, after all, much the same. Hughes is careful to vary the tones of their self-revelations, making them at times serious, at times funny, but always closely connected with the inner lives of these boys and girls. And when, as could probably be expected, the "nerd" is left to write the required essay, he will not betray the images that the audiences have so far constructed of them - but at the same time he will reaffirm the labels that right from the start they have been assigned, thus adding nothing to the teacher's (and the audience's) knowledge of them: "Dear Mr. Vernon, We accept the fact that we had to sacrifice a whole Saturday in detention for whatever it was we did wrong. But we think you are crazy to make us write an essay telling you who we think we are. You see us as you want to see us - in the simplest terms, the most convenient definitions, But what we found out is that each one of us is a brain, an athlete, a basket case, a princess, and criminal. Does that answer your question? Sincerely yours, The Breakfast Club" "Both Fast Times and Breakfast Club feature the five basic characters of school films that permeate the subgenre: intellectual and essentially repressed (and thus occasionally aggressive) nerds; delinquent boys and girls “from the wrong side of the tracks” who either pay for their crimes or learn to reform; psychologically distraught rebels who may dabble in crime but are usually looking for a more acceptable outlet for their malaise; “popular” types whom everyone at school knows and who support their status through fashion, appearance, and attitude; and athletes, usually shown as physically focused and prouder than their counterparts, dedicated to a given sport yet surprisingly emotional as well." (Note 6)
The Breakfast Club (di/by John Hughes, USA 1985)
Le questioni che devono affrontare gli adolescenti si concentrano sulla classe sociale e sulla sua influenza sulle relazioni tra studenti in Bella in rosa, scritto e prodotto da Hughes sebbene diretto da Howard Deutch (vedi il video qui sotto a sinistra). Andie è una ragazza "della classe operaia", con un padre disoccupato (anche se premuroso) e un lavoro part-time in un negozio di dischi. Ha un caro vecchio amico in Duckie, che appartiene alla sua stessa "classe sociale" ed è sempre stato innamorato di lei - ma Andie sviluppa una cotta per Blane, un "riccone", che guida una macchina veloce e costosa e vive in un villa altrettanto sontuosa. Andie ovviamente non è ben accetta dagli amici di Blane, e subisce l'umiliazione di essere invitata al "ballo di fine anno" da Blane, solo per essere scaricata all'ultimo minuto. Andie, tuttavia, reagisce prontamente: lavora duramente per cambiare un orribile vestito rosa in qualcosa di più attraente e va al ballo da sola. Lì troverà il buon vecchio Duckie (vedi il video qui sotto a destra), che è fin troppo contento di essere il suo partner al ballo. Ma c'è anche Blane, quindi chi sceglierà Andie? Ci si aspetterebbe che Andie rimanga con Duckie, che è di gran lunga il giovane più serio in circolazione - ed è così che il film doveva finire. Ma le anteprime del film dimostrarono che il pubblico non era soddisfatto di questo finale, che fu quindi cambiato: Andie alla fine se ne va con Blane, lasciando il povero Duckie a prendere un'altra ragazza, anche se accetta molto generosamente la scelta di Andie. Questo finale molto ambiguo ci ricorda che siamo negli anni '80: i soldi e il bell'aspetto sono essenziali, soprattutto se combinati nella stessa persona. Tuttavia, Andie dimostra di essere una ragazza molto attiva e intraprendente che sembra avere il controllo delle proprie scelte e sentimenti - un personaggio piuttosto insolito per i teen pics di quest'epoca.	Issues confronting teenagers are focussed on social class and its influence on students' relationships in Pretty in Pink, written and produced by Hughes although directed by Howard Deutch (see video below left). Andie is a "working class girl", with an unemployed (though thoughtful) father and a part-time job in a record shop. She has a very good old friend in Duckie, who is in her same "social class" and has always been in love with her, but easily develops a crush on Blane, a "richie", driving an expensive fast car and living in a similarly somptuous villa. Andie is obviously not welcomed by Blane's friends, and she suffers the humiliation of being invited to the "prom" by Blane, only to be dumped at the last minute. Andie, however, reacts promptly - she works hard on changing a horrible pink dress into something more attractive and goes to the prom alone. There she will find good old Duckie (see video below right), who is only too pleased to be her partner at the prom. But Blane is there too - so who will Andie choose? One would expect that Andie will stay with Duckie, who is by far the really earnest young man around - and this is how the movie was meant to end. But preview screenings showed that the audiences were not satisfied with this ending, so this was changed, and Andie eventually goes off with Blane - leaving poor Duckie to take up another girl, although he very generously accepts Andie's choice. This very ambiguous finale reminds us that we are in the '80s - money and good looks are essential, especially if combined in one person. However, Andie proves to be a very active, enterprising girl who seems to be in control of her own choices and feelings - a rather unusual character for teen movies of this era.
Video 1                                                                                                          Video 2 Bella in rosa/Pretty in pink (di/by Howard Deutch, USA 1986)
Nello stesso anno, Hughes scrisse e diresse Una pazza giornata di vacanza (vedi il video 1 qui sotto), dove il ragazzo benestante Ferris (Matthew Broderick) "prende un giorno di ferie dalla scuola", guidando per la città la Ferrari del padre insieme alla sua ragazza e al suo migliore amico, e incappando in ogni sorta di guai (relativamente innocui), mentre il preside della scuola cerca disperatamente di rintracciarlo. Questa brillante commedia ha toni farseschi, specialmente nella rappresentazione del preside inetto e nelle esperienze tragicomiche del trio. Il giorno libero sembra trasformarsi in una vacanza agrodolce prima che l'adolescenza finisca - e, in effetti, gran parte di ciò che Ferris fa sembra indicare la sua futura carriera "imprenditoriale" (visita la Borsa, pranza in un tipico ristorante per uomini d'affari e addirittura li imita). Tuttavia, Ferris è molto consapevole di ciò che sta facendo, e a volte il film assume un tono di "autoreferenzialità", come quando Ferris guarda dritto nella telecamera, o la sequenza dopo i titoli di coda (vedi il video 2 qui sotto), quando si rivolge al pubblico dicendo: "Siete ancora qui? È finita! Andate a casa! Andate!".	In the same year, Hughes wrote and directed Ferris Bueller's day off (see video 1 below), where well-off kid Ferris (Matthew Broderick) "takes a day off school", i.e. plays truant, driving around town in his dad's Ferrari, together with his girlfriend and his best friend, and getting into all sorts of (relatively harmless) mischiefs, while the school headmaster desperately tries to get hold of him. This brilliant comedy has farcical tones, especially in the depiction of the inept headmaster and the tragi-comical experiences of the trio. The day off seems to turn into a bittersweet holiday before adolescence comes to an end - and, indeed, much of what Ferris does seems to point to his future "business" career (he visits the Stock Exchange, has lunch in a typical "businessmen restaurant" and even imitates them). However, Ferris is very much aware of what he's doing, and at times the movie takes a tone of self-consciousness, as when Ferris looks straight into the camera, or the sequence after the end credits (see video 3 below), when he turns to the audience and says, "You're still here? It's over! Go home! Go!".
Video 1	Video 3 (English)   Video 2 (Italiano)
Una pazza giornata di vacanza/Ferris Bueller's day off (di/by John Hughes, USA 1986)
Un anno dopo, Un meraviglioso batticuore (vedi il video qui sotto a sinistra) racconta più o meno la stessa storia di Bella in rosa, con ruoli invertiti: questa volta è il ragazzo, Keith, che desidera Amanda, entrambi borghesi - sebbene il migliore amico di Keith, Watts, una specie di maschiaccio punk, ha una grande cotta per lui (che sembra non accorgersene). Amanda ci tine molto ad essere la ragazzza del riccone Hardy, ma quando quest'ultimo la lascia, accetta rapidamente l'invito di Keith a una serata fuori - con la povera Watts che accetta persino di essere il loro autista. Nella sequenza finale, Keith affronta Hardy (con l'aiuto di un giovane amico delinquente) e finalmente si rende conto che Watts, non Amanda, è il suo vero amore. Ancora una volta, Hughes prende i suoi personaggi molto più seriamente che nella maggior parte degli altri film per adolescenti dell'epoca, con le ragazze più determinate e premurose dei ragazzi, e allo stesso tempo offre un ritratto degli anni '80, quando le differenze di classe e lo status economico erano chiari segni dei tempi. La considerazione "seria" che Hughes dimostra nei suoi film è anche una nota fondamentale di Lucas (vedi il video qui sotto a destra), in cui un vivace quattordicenne, intelligente e pieno di risorse, sviluppa una cotta per la ragazza "appena arrivata in città", Maggie, di due anni maggiore di lui. Maggie, però, non ci mette molto ad innamorarsi di uno dei calciatori più attraenti della squadra della scuola. Lucas è piccolo, anche per la sua età, ed è facilmente vittima di bullismo da parte dei ragazzi più grandi; farà comunque tutto quanto in suo potere per conquistare la sua "fidanzata", tentando addirittura, con conseguenze disastrose ma esilaranti, di entrare a far parte della squadra di calcio. In una commovente conversazione tra Lucas e Maggie, la ragazza cerca di far capire a Lucas che vuole solo che siano "amici", ma Lucas non riesce a cogliere la distinzione tra "amicizia" e "amore" - anche se alla fine arriverà ad accettarla. Il film è un tenero ritratto di un giovane adolescente e delle sue sottili implicazioni psicologiche, lontano dalle superficiali commedie sessuali dello stesso periodo.	A year later, Some kind of wonderful (see video below left) tells more or less the same story as Pretty in pink, with reversed roles: this time it's the boy, Keith, who longs for Amanda, both being middle-class - although Keith's best friend Watts, a sort of tomboy punk, has a big crush on him (who does not seem to notice). Amanda is very keen on being super-rich Hardy's girlfriend, but when Hardy dumps her, she quickly accepts Keith's invitation to an expensive evening out - with poor Watts even accepting to be their chauffeur for the night out. In the final sequence, Keith confronts Hardy (with the help of a juvenile delinquent friend) and finally realizes that Watts, not Amanda, is his true love. Once again, Hughes takes his characters much more seriously than in most other teen movies of the time, with girls being more determined and considerate than boys, and at the same time gives a portrait of the '80s, when class differences and economic status were clear signs of the times. The "serious" consideration that Hughes brought to his films is also a keynote of Lucas (see video below right), in which a smart, resourceful, lively 14-year-old develops a crush on the 16-year-old "new kid in town" Maggie, who soon falls in love with one of the older, attractive football players of the school's team. Lucas is small, even for his age, and is easily bullied by the older boys; however, he will do everything in his power to conquer his "girldfriend", even attempting, with disastrous yet hilarious consequences, to become part of the football team. In a moving conversation between Lucas and Maggie, the girl tries to make Lucas understand that she just want to be "friends", but Lucas cannot grasp the distinction between "friendship" and "love" - although in the end he will come to accept it. The movie is a tender portrait of a young adolescent and its subtle psychological implications, far from the superficial sex comedies of the same period.
Un meraviglioso batticuore/Some kind of wonderful (di/by Howard Deutch, USA 1987)	Lucas (di/by David Seltzer, USA 1986)
6. I film "musicali" La musica e la danza hanno sempre avuto un ruolo preminente nei film per adolescenti, e sin dagli albori del rock'n'roll, i giovani sembrano aver trovato nella danza un modo alternativo per esprimere i propri sentimenti, nonché un mezzo particolarmente adatto per sfogare i propri sentimenti erotici e sessuali. Tale era stato il caso, alla fine del decennio precedente, de La Febbre del sabato sera (vedi il video qui sotto a sinistra), che viene ricordato principalmente per l'abito bianco di Tony Manero (John Travolta), il dito puntato al cielo, che mostra la sua abilità sulla pista da ballo della discoteca del sabato sera, ballando sulle note dell'emergente "disco music" e della colonna sonora dei Bee Gees. Tuttavia, il film ha un background socio-culturale notevolmente esplicito, che lo rende allo stesso tempo un ritratto di un'altra generazione "perduta", che, dopo aver perso tutti gli ideali degli anni '60 e dei primi anni '70, prefigurava l'atmosfera edonistica degli anni '80. Tony Manero non ha molto di cui rallegrarsi, con un lavoro noioso come commesso in un negozio di ferramenta - tranne che vivere tutta la settimana in attesa delle sue prodezze del sabato sera in discoteca, che diventa un modo per ritrovare uno status diverso in un altro mondo - uno dei simboli del piacere attraverso il consumo. La sua famiglia cattolica e il suo gruppo di amici confusi non stanno molto meglio: suo fratello sta per rinunciare al sacerdozio e uno dei suoi amici, che ha disperatamente cercato di farsi capire o semplicemente di farsi ascoltare, alla fine salterà giù dal ponte di Brooklyn. Quindi, tutto sommato, il glamour della "febbre del sabato sera" non è così affascinante ... Un altro film "musicale" con sottotesti interessanti era stato Saranno famosi (vedi il video qui sotto a destra), che si proponeva di ritrarre i sogni, le aspirazioni, i sentimenti e le delusioni di un gruppo di giovani che frequentavano l'impegnativa High School of Performing Art di New York. I tempi erano cambiati e ora un film di Hollywood poteva affrontare, anche se superficialmente, temi come l'integrazione degli afro-americani, le relazioni interrazziali e persino l'omosessualità. Ancora una volta, un aggiornamento del sogno americano ("un sogno di successo immediato", come dice il trailer) è alla base di tutti i duri sforzi di questi giovani per avere successo, prefigurando ancora una volta la filosofia basata sulla "carriera" degli anni '80. Saranno famosi fu un grande successo, fece rivivere il musical americano (anche nella sua storia tradizionale di un gruppo di giovani che allestisce uno spettacolo finale) e diede origine all'omonima serie TV.	6. The "dancing" movies Music and dancing have always figured prominently in teen movies, and since the early days of rock'n'roll, youths seem to have found in dancing an alternative way to express their feelings as well as a particularly apt means of venting their erotic and sexual pressures. Such had been the case, at the end of the previous decade, of Saturday night fever (see video below left), which is mainly remembered for Tony Manero (John Travolta)'s white outfit, his finger pointing to the sky, displaying his skills on the dance floor of the Saturday night disco, dancing to the tunes of the emerging disco music and the Bee Gees' score. However, the movie has a remarkably explicit socio-cultural background, which makes it at the same time a portrait of another "lost" generation, which, after losing all the ideals of the '60s and early '70s, foreshadowed the hedonistic atmosphere of the '80s. Tony Manero has nothing much to rejoice about, with a boring job as a shop assistant in a hardware store - except living all the week in expectation of his Saturday night exploits at the disco, which becomes a way of finding a different status in another world, one of the symbols of pleasure through consumption. His Catholic family and his bunch of confused friends are not much better off - his brother is in the process of giving up his priesthood, and one of his friends, who has desperately tried to make himself understood or simply listened to, will eventually jump off the Brooklyn Bridge. So, all in all, the glamour of the Saturday night "fever" is not so glamorous after all ... Another "musical" film with interesting subtexts had been Fame (see video below right), which set out to portray the dreams, aspirations, feelings and disappointments of a group of youths attending New York's demanding High School of Performing Art. The times had changed, and now a Hollywood movie could tackle, although superficially, themes such as the integration of Black Americans, inter-racial relationships, and even homosexuality. Once again, an update of the American dream ("a dream of instant success", as the trailer says) is at the basis of all these youths' hard efforts to succeed, again foreshadowing the success-based philosophy of the '80s. Fame was a huge hit, revived the American musical (even in its traditional story of a group of young people setting up a final show), and gave rise to a TV series of the same name.
La febbre del sabato sera/Saturday night fever (di/by John Badham, USA 1977)	Saranno famosi/Fame (di/by Alan Parker, USA 1980)
Il 1 ° agosto 1981 fu lanciata MTV (Music Television), e il mercato della musica e dei film cambiò per sempre. Il canale TV trasmetteva principalmente video musicali, una forma di spettacolo/intrattenimento che era praticamente nuvo, e il cui target era lo stesso pubblico che si riversava nei cinema per guardare film per adolescenti (e che presto avrebbe acquistato nastri VHS, CD e DVD). La stretta integrazione di musica, danza e film (oltre, ovviamente, alla pesante componente degli spot pubblicitari) diventò rapidamente non solo uno strumento di marketing estremamente potente, ma anche un nuovo standard nell'intrattenimento e, oltre a incrementare le vendite di film e dischi, stabilì anche un nuovo stile visivo, fatto di video dal ritmo veloce e dal montaggio accurato, colonne sonore specifiche e brani di danza attentamente coreografati - tutti fattori che presto avrebbero influenzato gli stessi film. Questa influenza fu particolarmente evidente nei "film musicali" degli anni '80 (vedi i video qui sotto), una sorta di video-film, a partire da Flashdance, una tipica "storia di successo" dell'epoca, in cui una ragazza, che lavora come saldatrice di giorno, lotta duramente per essere ammessa a una scuola di danza (trovando nel frattempo l'amore). Anche Footloose è basato sulla storia di un ragazzo di città che si trasferisce nella provincia americana e trova le autorità religiose locali ferocemente contrarie alla musica e al ballo (come se fossimo tornati agli anni '50 ...). E anche Dirty dancing   racconta la storia di una "ragazza della porta accanto" che, negli anni '60, viene iniziata alla danza e al sesso (o meglio, al sesso attraverso la danza) da un "macho", un istruttore di ballo, al ritmo di melodie latine afrodisiache.	On August 1, 1981, MTV (Music Television) was launched, and the music and film market was changed forever. The TV channel aired mostly music videos, a form of show/entertainment which was practically unheard of previously, and whose target was the same audience who flocked to the theatres to watch teen movies (and who would be soon be buying VHS tapes, CDs and later DVDs). The very close integration of music, dancing and film (plus, of course, the heavy component of commercials) quickly became not just an extremely powerful marketing tool, but also a new standard in entertainment, and, in addition to boosting the sales of films and records, also established a new visual style, made of fast paced, carefully edited videos, specific soundtracks and carefully choreographed dancing numbers which soon influenced movies. This influence was particularly evident in the "dancing" musicals of the '80s (see videos below), a sort of feature-length videos, starting from Flashdance, a typical "success story" of the era, in which a working-class girl struggles hard to be admittted to a dance school (finding love in the meantime), and continuing with Footloose, the story of a city boy who moves to the American province and finds the local religious authorities fiercely opposing music and dancing (as if we were back in the '50s ...); and ending with Dirty dancing, which, back in the '60s, tells the story of a "next door girl" who is initiated into dancing and sex (or rather, into sex through dancing) by a "macho" instructor to the aphrodisiac tunes of Latin-like rhythms.
Flashdance (di/by Adrian Lyne, USA 1983)                Footloose (di/by Herbert Ross, USA 1984)                Dirty dancing (di/by Emile Ardolino, USA 1987)
7. "Sport", giochi "di guerra" e tecnologia Al di là della danza, negli anni '80 il successo, sia personale che sociale, sia professionale che finanziario, poteva essere raggiunto in una varietà di forme, in situazioni e contesti in cui i teenagers (principalmente maschi) avevano l'opportunità di mostrare il loro punti di forza, superando le loro debolezze, in un trionfo di risultati individuali (e con la promessa tipicamente americana che chiunque, indipendentemente dal punto di partenza, può essere un vincitore). Rocky e Rambo, ovviamente, definirono gli standard. Questo fu il caso dello sport e delle relative sfide - e uno dei maggiori successi del decennio fu Per vincere domani (vedi il video qui sotto), una storia d'amore alla base di un'avventura essenzialmente sportiva. Il sedicenne Daniel si innamora della ricca Ali e viene presto fatto bersaglio di bullismo da parte di Johnny, l'ex fidanzato della ragazza, che è un esperto di arti marziali. L'unico modo in cui Daniel può sperare di conquistare Ali è (ovviamente) sfidare il suo concorrente sul suo stesso terreno. Alla fine Daniel trova un vecchio maestro di karate, il signor Miyagi, che lo addestrerà in modo molto informale alla pratica e alla filosofia del karate, portandolo infine a vincere un torneo in cui Johnny avrebbe dovuto essere il vincitore. Il modello di tutto questo è ovviamente Rocky (il regista John G. Avildsen era stato, non a caso, il regista del primo film di Rocky). Per vincere domani fu un enorme successo e generò tre sequel, una serie TV animata e un remake nel 2010.	7. "Sports", "war" games and technology The '80s were not all about dancing, though: success, both personal and social, both professional and financial, was being achieved by teenagers in a variety of other forms, in situations and settings where (mainly) boys had the opportunity of displaying their strengths and overcoming their weaknesses - in a triumph of individual achievement (and with the typically American promise that anyone, no matter their starting points, can be an achiever). Rocky and Rambo, of course, set the standards. Such was the case with sports and its related challenges - and one of the major hits of the decade was The karate kid (see video below), which has a love story at the basis of an essentially sports adventure. 16-year-old Daniel falls in love with rich girl Ali and is soon made the target of bullying by Johnny, the girl's ex-boyfriend, who happens to be an expert in martial arts. The only way the boy can hope to conquer Ali is (obviously) to challenge his competitor on his own grounds. He eventually finds an old karate master, Mr Miyagi, who will very informally train him in the practice and philosophy of karate, eventually leading him to win a tournament where Johnny was supposed to be the winner. The model of all this is obviously Rocky (director John G. Avildsen had been, not by chance, the director of the first Rocky movie). The karate kid was a huge success and spawned three sequels, an animated TV series and a remake in 2010.
Per vincere domani/The karate kid (di/by John G. Avildsen, USA 1984)
Lo sport non era l'unico campo in cui gli adolescenti potevano mostrare le proprie capacità e la propria determinazione: c'era anche il mondo in rapida crescita della tecnologia, e in particolare dei computer, che gli adolescenti avrebbero presto padroneggiato, diventando esperti e persino fanatici. Insieme alla padronanza della tecnologia, tuttavia, si manifestò anche, come ci si poteva aspettare, una nuova ondata di paura  - paura che i teenagers potessero abusare della tecnologia causando danni all'intera società. Erano gli ultimi anni della Guerra Fredda, e la minaccia nucleare era ancora molto sentita, in un revival delle paure comuniste degli anni '50 - almeno fino al 1987, quando Reagan e il russo Gorbachev concordarono un trattato per vietare i missili a gittata intermedia. Tali preoccupazioni e sentimenti trovarono espressione in Wargames - Giochi di guerra (vedi il video qui sotto a sinistra), un enorme successo al botteghino, che racconta la storia di un giovane "smanettone", David (Matthew Broderick), che, insieme alla compagna di classe Jennifer, usa i giochi per computer per combattere guerre virtuali ma finisce, del tutto accidentalmente e inconsapevolmente, per "hackerare" il sistema del Dipartimento della Difesa degli Stati Uniti, lanciando missili sovietici verso l'America, e mettendo così in moto un allarme di emergenza a livello nazionale. Sebbene il gioco sia programmato per andare avanti fino alla distruzione di una delle parti coinvolte, David alla fine sarà in grado, sia pure con l'aiuto dell'inventore del computer e di una Jennifer molto esperta e determinata, di salvare la Terra dal disastro nucleare. Il film è divertente, ma il suo messaggio pacifista è chiaro (nessuno può vincere a questo terribile gioco, e la questione di chi può e vuole "premere il pulsante" è ancora cruciale) e la cecità dei militari tecnocratici viene smascherata, quando il quartier generale dell'esercito degli Stati Uniti sospetta che David sia una spia e preferirebbe credere alle informazioni del computer piuttosto che all'esperienza del ragazzo. E, alla fine, è proprio la saggezza di un adolescente intelligente e sensibile che alla fine salva il mondo. Le emozioni, ma anche i pericoli, della tecnologia sono alla base anche di Ritorno al futuro (vedi il video qui sotto a destra), un successo al botteghino prodotto da Spielberg e scritto da Robert Zemeckis (che lo ha anche diretto) e Bob Gale. Il teenager Marty (Michael J. Fox) viene riportato al 1955 da un'auto che è una vera e propria "macchina del tempo" inventata dal suo amico, lo scienziato Doc. Incontrerà i suoi genitori e avrà la possibilità di cambiare alcune cose - inclusa la situazione imbarazzante in cui sua madre si innamora di lui - e farà del suo meglio per far sì che i suoi genitori restino uniti (che è anche un prerequisito per la sua stessa esistenza, ovviamente). Il film è uno sguardo nostalgico agli anni '50, visto ancora una volta come una sorta di "età dell'oro perduta da tempo" e, allo stesso tempo, una celebrazione dell'ottimismo degli anni '80. Forse non è un caso che Michael J. Fox sarà il protagonista di Il segreto del mio successo (di Herbert Ross, USA 1987), che, ancora una volta, celebra la dominante filosofia "yuppie" dell'epoca.	Sports were not the only realm in which teenagers could show their abilities and determination - there was also the fast-growing world of technology, and (home) computers in particular, which teens would soon master and become its most fanatical adepts. Together with teens' mastery of technology, however, came also, as might be expected, a new wave of fear that they might overuse or misuse such technology to the public damage. These were the final years of the Cold War, and the nuclear threat was still very much felt, in a revival of '50s communist fears, at least until 1987, when Reagan and Russian Gorbachev agreed on a treaty to ban intermediate-range missiles. Such worries and feelings were captured in WarGames (see video below left), a huge success at the box office, which tells the story of a computer "geek", David (Matthew Broderick), who, together with classmate Jennifer, by playing "war" with computer games ends up, quite accidentally and unaware of it, hacking the U.S. Department of Defense system and launches Soviet missiles towards America, setting in motion a nationwide emergency alert. Although the game is programmed to go on until one of the parties involved is destroyed, David will eventually be able, though with the help of the computer's inventor and with the essential help from a very expert and determined Jennifer, to save the Earth from the nuclear disaster. The movie is fun to watch, but its pacifist message is clear (nobody can win at this terrible game, and the question of who can and will "press the button" is still a crucial one) and the technocratic military's blindness is exposed, when the US Army Headquarters suspect David to be a spy and would rather believe the computer information rather than the boy's expertise. And, after all, it is the wisdom a smart, concerned teenager which ultimately saves the world. The thrills, but also the dangers, of technology are also at the basis of Back to the future (see video below right), a box office hit produced by Spielberg and written by Robert Zemeckis (who also directed it) and Bob Gale. Teen Marty (Michael J. Fox) is carried back to 1955 by a "time-machine" car invented by his friend, scientist Doc. He will meet his parents and will have a chance to change a few things - including the embarrassing situation in which his mother falls in love with him - and will do all his best to make his parents stick together (which is also a pre-requisite for his own existence, of course). The movie is a nostalgic look at the '50s, once again seen as a sort of "long lost golden age", and, at the same time, a celebration of the optimism of the '80s. Maybe it is not by chance that Michael J. Fox will star as the protagonist of The secret of my success (by Herbert Ross, USA 1987), which, again, celebrates the dominant "yuppie" philosophy of the era.
Wargames - Giochi di guerra/WarGames (di/by John Badham, USA 1983)	Ritorno al futuro/Back to the future (di/by Robert Zemeckis, USA 1985)
8. Film "drammatici" C'è una sorta di visione stereotipata degli anni '80 in cui sesso, musica, balli e feste appaiono come la base della vita degli adolescenti (e non solo degli adolescenti!). Un certo numero di film ha colto un altro lato dell'epoca, un'immagine molto più oscura e preoccupante delle reali preoccupazioni e ansie che si nascondevano dietro l'immagine superficiale di un mondo in cui "apparire", e non realmente solo "essere", era la parola d'ordine. In Colors - Colori di guerra (di Dennis Hopper, USA 1988), ad esempio, gli adolescenti, chiaramente delusi dalla famiglia, dalla scuola e dal lavoro, trovano un modo per sperimentare un senso di appartenenza e identità attraverso la loro affiliazione a bande di strada militarizzate - e sebbene debbano far fronte a forze di polizia speciali, la loro "cultura" e il loro stile di vita sembrano alla fine più attraenti e seducenti rispetto all'ordine sociale che si prefiggono di sfidare. Un contesto simile era stato oggetto, un decennio prima, di I guerrieri della notte (di Walter Hill, USA 1979), in cui la lotta è in definitiva tra le bande stesse. Due film di Francis Ford Coppola furono particolarmente in sintonia con le ansie adolescenziali degli anni '80: il primo è I ragazzi della 56a strada (vedi il video qui sotto a sinistra), che, con un chiaro riferimento a Gioventù bruciata, si concentra sulla lotta tra due bande di strada, i "greaser" (formati da immigrati e altri gruppi marginali) e i "social" (cioè gli adolescenti bianchi e benestanti della classe media), che condividono lo stesso territorio (e talvolta le stesse ragazze). I loro scontri con la polizia causeranno più di una tragica morte. La messa in scena stilizzata ricorda i film televisivi per adolescenti, e i colori cupi e violenti si abbinano ai forti sentimenti di questi nuovi "ribelli". Un buon numero di giovani attori sono stati lanciati attraverso questo film, incluso il protagonista, Matt Dillon e, tra gli altri, Patrick Swyze, Tom Cruise, Tom Waits, Rob Lowe e Sofia Coppola. Nello stesso anno Coppola diresse Rusty il selvaggio (vedi il video qui sotto a destra, che, molto simile al film precedente, è un ritratto di Rusty (Matt Dillon), il capo di una banda di giovani che vive con il padre alcolizzato (Dennis Hopper), mentre sua madre ha lasciato da tempo la famiglia. Rusty adora suo fratello maggiore (Mickey Rourke), "il ragazzo con la moto", che aevav vissuto l'era "gloriosa" delle bande di motociclisti. Ancora una volta, il destino attende queste persone, quando il ragazzo più grande viene ucciso da un poliziotto, e i ragazzi non possono che essere i dolorosi testimoni di un altro fallimento del sogno americano: "Alla fine del film, la ragazza di Rusty lo lascia ... il padre non smette di bere. La madre non torna mai. Alla fine, Rusty James è ancora un adolescente, perso in un mondo che potrebbe non capire mai adeguatamente. Anche se il film presenta la decadenza dell'autorità istituzionale e la conseguente ricerca di un'alternativa praticabile e tradizionale ... tale ricerca è ostacolata ad ogni svolta. Il film si conclude senza ambiguità nella noia, nel suicidio, nella disperazione." (Nota 7). Rusty il selvaggio fu molto apprezzato anche per le sue qualità stilistiche che, nei toni espressionisti (e la sua eccellente fotografia in bianco e nero), sembrano rimandare alla bravura tecnica di Orson Welles. Il titolo si riferisce a una specie di "pesce combattente", che il fratello di Rusty vorrebbe liberare da un acquario, perché, come dice usando una metafora fin troppo trasparente, "appartengono al fiume e non combatterebbero se fossero nel fiume e avessero più spazio per se stessi ".	8. Teen "dramas" There is a sort of stereotyped vision of the '80s where sex, music, dancing and partying were the staple of teenagers' life (and not just teenagers'!). A number of movies caught another side of the era, a much darker and worrying picture of the real concerns and anxieties that were lurking behind the superficial image of a world where "appearing", and not really just "being", was the password. In Colors (by Dennis Hopper, USA 1988), for example, teenagers, clearly let down by family, school and employment, find a way of experiencing a sense of belonging and identity through their affiliation to militarized street gangs - and though they have to face special police forces, their "culture" and lifestyle eventually appear more appealing and seductive than the social order they set out to defy. A similar context had been the subject, a decade earlier, of The warriors (by Walter Hill, USA 1979), in which the struggle is ultimately between the gangs themselves. Two films by Francis Ford Coppola were particularly in tune with the teenagers' anxieties of the '80s, the first being The outsiders (see video below left), which, with a clear reference to Rebel without a cause as a model, focuses on the fight between two street gangs, the "greasers" (made up of immigrants and other marginal groups) and the "socials" (i.e. the white, affluent middle class teens), who share the same territory (and sometimes the same girls). Their fights, and their encounters with the police, will cause more than a tragic death. The stylized mise-en-scène is reminiscent of teen TV-films, and the dark and violent colours match the strong feelings of these new "rebels". Quite a number of young actors were launched through this films, including the protagonist, Matt Dillon, and, among others, Patrick Swyze, Tom Cruise, Tom Waits, Rob Lowe and Sofia Coppola. In the same year Coppola directed Rumble fish (see video below right), which, much in the same vein as the previous movie, is a portrait of Rusty (Matt Dillon), the leader of a youth gang who lives with his alcohol-addicted father (Dennis Hopper), while his mother has long left the family. Rusty worships his older brother (Mickey Rourke),"the kid with the motorbike", who lived the "glorious" era of the motorbike gangs. Once again, fate awaits these people, when the older boy is killed by a policeman, and they can only be the painful witnesses of another failure of the American dream: "By the end of the film, Rusty's girlfriend dumps him ... the father doesn't quit drinking. The mother never returns. In the end, Rusty James is still a teenager, lost in a world he may never adequately understand. Though the films presents the decadence of institutional authority and the subsequent search for a viable and traditional alternative ... such a search is thwarted at every turn. The film ends unambiguously in boredom, suicide, hopelessness." (Note 7). Rumble fish was highly praised for its stylistic qualities too, which, in their expressionist tones (and its excellent black and white photography), seem to refer back to Orson Welles' technical prowess. The title refers to a species of "fighting fish", which Rusty's brother would like to set free from an acquarium, because, as he says using an all-too-clear meataphor, "they belong to the river, and wouldn't fight if they were in the river and had more room for themselves".
I ragazzi della 56a strada/The outsiders (di/by Francis Ford Coppola, USA 1983)	Rusty il selvaggio/Rumble fish (di/by Francis Ford Coppola, USA 1983)
"Non voglio preoccuparmi. Se mi importa delle cose, sarà solo peggio; sarà solo un'altra cosa di cui preoccuparsi. È meno doloroso se non mi preoccupo" Al di là di tutti i limiti (di Marek Kanievska, USA 1987)	"I don't want to care. If I care about things, it'll just be worse; it'll just be another thing to worry about. It's less painful if I don't care" Less than zero (by Marek Kanievska, USA 1987)
Un'immagine diversa, e per certi versi più inquietante, della giovinezza americana è offerta da I ragazzi del fiume (vedi il video qui sotto a sinistra), che racconta la vera storia di una ragazza assassinata dal suo fidanzato, che poi mostra il suo corpo nudo a un gruppo di amici. Lo shock non sta in questa esposizione, ma nel comportamento di questi ragazzi, che sembrano essere completamente confusi, o meglio, emotivamente (e moralmente) distaccati da ciò che vedono. All'inizio nessuno chiama la polizia, e uno di loro, un ragazzo particolarmente "pazzo" e in realtà una sorta di sociopatico, mette in atto tutta una serie di azioni per proteggere il suo amico colpevole, al fine di dimostrare la sua "lealtà", ma ancora di più perché sente che l'intera cosa è "eccitante, come un fottuto film". Uno degli amici prima o poi andrà alla polizia, ma anche allora potrà solo ripetere: "Non lo so". E quando i ragazzi sfilano davanti alla bara aperta al funerale, fissano il corpo della ragazza con un'espressione vuota sui loro volti. Il film non offre alcuna spiegazione per la (mancanza di) reazioni di questi adolescenti, sembra solo registrare il loro comportamento senza scopo e amorale (forse bisognoso del supporto di figure autorevoli), lasciando il pubblico a chiedersi cosa tragicamente sia andato storto con questa generazione di ragazzi americani che si sono trasformati in creature simili a zombi. Un'esplosione di violenza più esplicita è al centro di Schegge di follia (vedi il video qui sotto a destra), ambientato in un liceo per futuri "yuppies", che si trasforma in un incubo di omicidi e violenze. Le "Heathers" del titolo originale sono tre ragazze ricche e molto apprezzate, perfetta incarnazione dell'immagine alla moda degli anni '80, che diventano il bersaglio di una compagna di classe (Winona Ryder), incerta se conformarsi allo stile di vita superficiale e persino spregevole delle sue amiche o assumere una posizione "ribelle". Trova comprensione e sostegno in JD (Christian Slater)(notare le iniziali, che potrebbero benissimo significare "Juvenile Delinquent"), che è davvero uno psicopatico che la coinvolge nell'omicidio di due delle "Heathers" (più un paio di ragazzi), mascherando tali omicidi come "suicidi". Quando JD minaccia di farsi saltare in aria, insieme a tutta la scuola, la sua ragazza, che dopo tutto sembra "avere una coscienza", alla fine lo ucciderà e poi continuerà con una vita più "normale" a scuola - ma, piuttosto ambiguamente, con un soddisfacente grado di "popolarità" molto maggiore. La violenza amorale mostrata nel film è, ancora una volta, non spiegata, e il cinismo dell'era Reagan raggiunge la sua massima espressione in questo ritratto nichilista di una gioventù squilibrata. In questo quadro oscuro nessuno si salva - non gli ottusi insegnanti e amministratori della scuola, non i genitori assenti, e nemmeno, alla fine, gli studenti stessi, che sono vittime della competitività tra pari.	A different, and in a way more disturbing, image of American youth is offered by River's edge (see video below left), which tells the true story of a girl murdered by her boyfriend, who then goes on to show her naked body to a group of friends. The shock does not lie in this exposure, but in the behaviour of these kids, who seem to be utterly confused, or rather, emotionally (and morally) detached from what they see. At first, nobody calls the police, and one of them, a particularly "crazy" boy and actually a sort of sociopath, sets up a whole series of actions to protect his guilty friend, in order to show his "loyalty", but even more because he feels the whole thing is "exciting, like some fucking movie". One of the friends will eventually go to the police, but even then, he can only repeat, "I don't know". And when the kids file past the open casket at the funeral, they stare at the body of the girl with a blank expression on their faces. The movie does not offer any explanation for these teenagers' (lack of) reactions, just seems to record their aimless and amoral behaviour (maybe in need of support from authority figures), leaving the audience to wonder what has tragically gone wrong with this generation of American kids who have turned into zombie-like creatures. A more explicit explosion of violence is the focus of Heathers (see video below right), set in a high school for future "yuppies", which turns into a nighmare of murder and violence. The "Heathers" of the title are three rich, very popular girls, the perfect embodiment of '80s fashionable image, who become the target of a classmate (Winona Ryder), who is uncertain between conforming to her friends' superficial, even despicable lifestyle and taking up a "rebel" stance. She finds understanding and support in J.D. (note the initials, which may well stand for "Juvenile Delinquent")(Christian Slater), who is really a psychopath who involves her in the murder of two of the "Heathers" (and a couple of boys), disguising such murders as "suicides". When J.D. threatens to blow himself up, together with the whole school, his girlfriend, who after all seems to "have a conscience" will eventually kill him and then continue with a more "normal" life at school - but, rather ambiguously, with a satisfying much greater degree of "popularity". The amoral violence displayed in the film is, once again, not explained, and the cynicism of the Reagan era reaches its ultimate expression in this nihilistic portrait of a deranged youth. In this dark picture nobody is saved - not the obtuse school teachers and administrators, not the absent parents, and neither, in the end, the students themselves, who are victims of their own peer pressure.
I ragazzi del fiume/River's edge (di/by Tim Hunter, USA 1986)	Schegge di follia/Heathers (di/by Michael Lehmann, USA 1988)
"Il terribile segreto è che essere giovani a volte è meno divertente che essere morti ... Che senso ha vivere in un decennio completamente esaurito in cui non c'è niente a cui aspirare e nessuno da rispettare?" Harry in Pump up the volume - Alza il volume	"The terrible secret is that being young is sometimes less fun than being dead ... What's the point of living in a totally exhausted decade where there is nothing to look forward to and no one to look up to?" Harry in Pump up the volume
Un'atmosfera altrettanto cupa pervade il liceo che è l'ambiente di Pump up the volume - Alza il volume (vedi il video qui sotto a sinistra), dove uno studente modello, Harry (Christian Slater) si trasforma in un dj radiofonico di notte, diffondendo la sua trasmissione da casa, in completo anonimato. Non si limita a suonare i successi preferiti degli studenti, ma li accompagna con commenti spiritosi e ironici che attingono alle serie preoccupazioni degli adolescenti, come la scuola, il sesso, l'identità e persino l'omosessualità e il suicidio, dando sfogo alle loro paure e ansie. Il suo programma telefonico, tuttavia, va fuori controllo quando uno studente minaccia di togliersi la vita e, di fronte ai commenti insoddisfacenti di Harry, lo fa davvero. Harry, scioccato da questa storia, si trasforma in un "ribelle attivo" e, armato di un trasmettitore portatile, inizia a suscitare la rabbia e il malcontento degli studenti, diventando rapidamente il loro eroe adorato, combattendo contro adulti idioti come il preside della scuola, il consigliere di orientamento e altri. Alla fine verrà catturato e (possiamo presumere) mandato in prigione - ma a questo punto il messaggio che sta mandando via etere è molto chiaro ("forma le tue stazioni radio e continua a combattere"), anche se non c'è molto da sperare nel futuro di questi adolescenti. Tuttavia, il film offre un'immagine piuttosto insolita degli adolescenti come persone intelligenti che possono imparare ad essere indipendenti e raggiungere così una propria identità. Una rappresentazione piuttosto diversa della (pre) adolescenza è offerta da Stand by me - Ricordo di un'estate (vedi il video qui sotto a sinistra), che, sebbene si concentri su un gruppo di ragazzi nella loro ultima estate prima di entrare al liceo, è nondimeno una commovente storia di formazione, soffusa di un tono nostalgico (la storia è raccontata a posteriori da uno dei personaggi, ormai adulto, che ripensa a quei giorni in cui l'infanzia lasciava il posto a preoccupazioni più "adulte"). I ragazzi, dopo aver sentito parlare di un cadavere trovato da qualche parte nella zona, e credendo che possa appartenere a uno dei loro amici, partono per scoprirlo, intraprendendo una serie di avventure che metteranno a nudo le loro paure e i loro sentimenti più intimi, rendendoli più consapevoli di questioni più "adulte" come il sesso, la responsabilità morale e la morte - e quando finalmente si separeranno, niente sarà più lo stesso. Adattato da una storia di Stephen King e caratterizzato da una colonna sonora degli anni '50 che include il famoso successo di Ben E. King "Stand by me", il film si muove a metà strada tra realtà e fantasia, adottando, da un lato, il punto di vista dei ragazzi e completandolo, dall'altra parte, con una prospettiva adulta.	A similarly dark atmosphere pervades the high school which is the setting of Pump up the volume (see video below left), where a model student, Harry (Christian Slater) turns into a radio dj by night, sending off his broadcast from home, in complete anonymity. He doesn't just play the students' favourite hits, but accompanies them with witty, ironic remarks which tap into teens' serious concerns, like school, sex, identity and even homosexuality and suicide, giving vent to their fears and anxieties. His phone-in programme, however, gets out of control when a student threatens to take his life and, facing Harry's unsatisfactory comments, actually does. Harry, shocked by this story, converts into an "active rebel" and, armed with a portable transmitter, starts rousing the students' anger and discontent, quickly becoming their worshipped hero, fighting against idiotic adults like the school principal, the guidance counsellor and others. He will eventually be caught and (we may assume) sent to jail - but by this time the message he's been sending over the air is very clear ("form you own radio stations and go on fighting"), although there is not much to be hopeful for in these teenagers' future. However, the movie offers a rather unusual image of adolescents as intelligent people who can learn to be independent and thus achieve an identity of their own. A rather different portrayal of (pre-)adolescence is offered by Stand by me (see video below right), which, although focussing on a group of boys in their last summer before entering high school, is nevertheless a poignant story of coming-of-age, suffused with a nostalgic tone (the story is told in retrospect by one of the characters, now an adult, who looks back to those days when childhood was giving way to more "adult" concerns). The kids, after lerning about a corpse found somewhere in the area, and believing it may belong to one of their friends, set off to discover it and embark on a series of adventures which will expose their innermost fears and feelings, making them more aware of more "adult" issues like sex, moral responsibility and death - and when they finally part, nothing will ever be the same. Adapted from a story by Stephen King, and featuring a '50s musical score which includes Ben E. King's famous hit "Stand by me", the movie moves halfway between reality and fantasy, adopting, on the one hand, the kids' point of view, and complementing it, on the other hand, with an adult perspective.
Pump up the volume - Alza il volume/Pump up the volume (di/by Allan Moyle, USA 1990)	Stand by me - Ricordo di un'estate/Stand by me (di/by Rob Reiner, USA 1986)
"La vita sembra esigere [che questi ragazzi] prendano decisioni sul futuro: che scelgano tra una scuola "professionale" e un "liceo" e determinino fino a che punto le loro famiglie e amici li definiscono. L'esperienza della natura selvaggia li porta fuori da questo contesto impegnativo ed offre loro una nuova esperienza "al limite", che rappresenta il confine tra l'infanzia e l'adolescenza come una frontiera - un limite di esperienza conoscibile in cui tutte le regole sociali sono sospese e solo la forza del carattere consente la sopravvivenza. Il ben noto mito americano della frontiera come luogo di autodeterminazione è qui associato al tema della maturità da raggiungere." (Nota 8) Fine della Terza parte. Vai alla Quarta parte	"Life seems to be demanding [that these boys] make decisions about the future: that they choose between "shop" and "college" classes and determine how far their families and friends define them. The wilderness narrative takes them out of this demanding context and offers them a new experience of limits which represents the border between childhood and adolescence as a frontier - a limit of knowable experience where all the social rules are suspended and strength of character alone enables survival. A well-known American myth of the frontier as a place of self-determination is here associated with a question about maturity." (Note 8) End of Part 3. Go to Part 4

Note/Notes

(1) Tropiano S. 2006. Rebels and chicks. A history of the Hollywood teen movie. Back Stage Books, New York.

(2) Generation multiplex è il titolo di un volume di Timothy Shary (2002, University of Texas Press, Nuova edizione 2014)./ Generation multiplex is the title of a volume by Timothy Shary (2002, University of Texas Press, New edition 2014)

(3) Gene Siksel, as quoted in Tropiano, op. cit., p. 154.

(4) Shary T. 2005. Teen movies. American youth on screen, Wallflower, London and New York, p. 59.

(5) Driscoll C. 2011. Teen film. A critical introduction, Berg, Oxford & New York, p. 71.

(6) Shary T., op. cit., p. 61.

(7) Lewis J. 1992. The road to romance and ruin, Routledge, New York & London, p. 149.

(8) Driscoll C., op. cit., 80.

info@cinemafocus.eu

Come visualizzare sottotitoli nei videoclip di YouTube Molti videoclip su YouTube forniscono sottotitoli generati automaticamente. Ecco come procedere per visualizzarli: 1. Se i sottotitoli sono disponibili, in basso a destra compare l'icona . In fase di riproduzione, cliccare questa icona. Normalmente appaiono i sottotitoli in inglese. 2. Se si desidera cambiare lingua, cliccare sull'icona accanto, "Impostazioni" . Comparirà questo menu: 3. Cliccare su "Sottotitoli". Comparirà questo altro menu: 4. Cliccare su "Inglese (generati automaticamente)". Comparirà questo menu: 5. Cliccare su "Traduzione automatica" e nell'elenco delle lingue cliccare sulla lingua desiderata:

How to visualize subtitles in YouTube video clips Several YouTube videos clips provide automatically generated subtitles. This is how to proceed to visualize them: 1. If subtitles are available, while in "play" mode click this icon below right. Normally, English subtitles appear. 2. If you wish to change the language, click the nearby icon "Settings" . You will get this menu (according to the language you chose for your account): 3. Click "Subtitles" and you will get this menu: 4. Click "English (auto-generated). This menu will appear: 5. Click "Auto-translate" and in the list of languages click the desired language:

Torna all'inizio della pagina   Back to start of page