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Dossier Dossiers |
| I teen films
americani:
il cinema per gli adolescenti, il cinema sugli adolescenti Parte seconda: Ribelli con causa - dagli anni '50 ai '60 e '70 |
American teen pics: movies
for teenagers, movies about teenagers Part 2: Rebels with a cause - from the '50s into the '60s and '70s |
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1. Il rock'n'roll e la nuova
industria cinematografica/musicale Oltre ad influenzare l'industria cinematografica, il rock'n'roll (il cui nome in origine si riferiva al rapporto sessuale, ma solo nel gergo degli Afro-Americani) (Nota 1) ha avuto un impatto immediato anche sull'industria discografica, stabilendo uno stretto legame tra le due: ora dischi basati su colonne sonore di film potevano realizzare enormi profitti, tanto che a volte venivano pubblicati anche prima del film in questione e, al contrario, il successo di un film portava gli adolescenti ad acquistare le colonne sonore dei nuovi dischi LP (long-playing), ad ascoltare i disc-jockey sulle stazioni radio e a godersi sia film che musica nei teatri drive-in all'aperto in rapida diffusione (che erano anche un luogo conveniente per incontrarsi, "frequentarsi" e impegnarsi in pratiche di sesso soft). Tutto sommato, l'industria dell'intrattenimento ha tratto enormi profitti dalla nuova connessione film/musica e la prospettiva di enormi profitti ha controbilanciato il corrispondente allarme sociale per un tipo di musica che era diventato rapidamente controverso e così facilmente associato non solo alla ribellione e alla delinquenza giovanile, ma anche alla sessualità e all'interazione interrazziale. Gli anni immediatamente successivi all'uscita di Il seme della violenza e di Senza tregua il rock'n'roll videro una proliferazione di "film rock", spesso realizzati a buon mercato e frettolosamente, principalmente collocati in un "doppio spettacolo" (cioè con un solo biglietto per vedere due film) e spesso commercializzati "per soli adolescenti ", con il non troppo implicito presupposto che gli adulti fossero esclusi. Alcuni di questi film sono ricordati principalmente per il fatto che rappresentavano le prime immagini di numerosi registi e attori promettenti, ad es. The delinquents di Robert Altman (1957, mai distribuito in Italia), Colpevole innocente di John Frankenheimer (1957), Cry baby killer (1958) con Jack Nicholson e, naturalmente, Fratelli rivali (1956) con Elvis Presley (vedi il video qui sotto a sinistra). Elvis è stato solo il maggior successo di una serie di pop star presenti in film rock, come The Platters, Little Richard, Fats Domino, Pat Boone - e anche il più prolifico, con una serie di film che hanno attraversato la fine degli anni '50, ma il cui interesse sarebbe presto scemato (vedi il video qui sotto a destra). |
1. Rock'n'roll and the new
movie/music industry Beside affecting the movie industry, rock'n'roll (whose name referred to sexual intercourse, but only in Afro.-American English slang)(Note 1) had an immediate impact on the record industry as well, establishing a close connection between the two: now records based on film sountracks could make huge profits, so that sometimes they were released even before the relevant movie, and, conversely, a film's success would lead teenagers to buy the soundtracks on the new long-playing records, to listen to disc-jockeys on radio stations and to enjoy both film and music in the rapidly spreading drive-in open-air theatres (which were also a convenient place for teens to meet, "date" and engage in soft sex practices). All in all, the entertainment industry profited enormously from the new movie/music connection and the prospect of huge profits counterbalanced the corresponding social alarm for a kind of music that had quickly become controversial and so easily been associated not only with rebellion and juvenile delinquency, but also with sexuality and inter-racial exposure. The years immediately following the release of Blackboard jungle and Rock around the clock saw a proliferation of "rock movies", which were often cheaply and hastily made, mainly placed in "double bills" (a ticket worth two movies) and often marketed "for teenagers only", with the not too implicit assumption that adults were excluded. Some of these movies are remembered mainly for the fact that they represented the debut pictures of a number of promising directors and actors, e.g. Robert Altman's The delinquents (1957), John Frankenheimer's The young stranger (1957), Cry baby killer (1958) with Jack Nicholson, and, of course Love me tender (1956) with Elvis Presley (see video below left). Elvis was just the most successful of a number of pop stars which featured in rock movies, like The Platters, Little Richard, Fats Domino, Pat Boone - and the most prolific too, with a series of movies which spanned the late '50s but whose interest and appeal would soon be waning (see video below right). |
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Fratelli rivali/Love me tender (di/by Robert D. Webb, USA 1956) |
Il delinquente del rock'n'roll/Jailhouse rock (di/by Richard Thorpe, USA 1957) |
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2. Nuovi "sottogeneri" nello
sfruttamento degli adolescenti: film "hot rod" e "horror/ fantascienza" Tra le società di produzione indipendenti (in seguito chiamate "indies") che erano pronte a trarre profitto dalla nuova ondata di rock'n'roll, l'American International Pictures (AIP) è stata probabilmente quella di maggior successo, non da ultimo per la sua chiara strategia di marketing, che, una volta spazzata via l'idea tradizionale di un film "per tutta la famiglia", si riassumeva così: "1. Un ragazzo più piccolo guarderà tutto ciò che guarderà un ragazzo più grande. 2. Un ragazzo più grande non guarderà nulla che guarderà un ragazzo più piccolo. 3. Una ragazza guarderà qualsiasi cosa guarderà un ragazzo. 4. Un ragazzo non guarderà nulla che una ragazza guarderà. 5. Pertanto, per catturare il pubblico più vaszro possibile, punta a un ragazzo di 19 anni. "(Nota 2) Questa è, in termini quasi matematici, la strategia alla base di gran parte dei cosiddetti "film di sfruttamento" per adolescenti, ovvero film commercializzati per adolescenti e che trattano, anche se in modi spesso semplicistici e stereotipati, i tipici interessi adolescenziali, che presto avrebbero incluso altri temi oltre al rock'n'roll. Gli anni che precedono gli anni '60 videro effettivamente il successo di una varietà di "sottogeneri" che miravano a sfruttare rapidamente la nuova "ondata di adolescenti" prima che svanisse - tali sottogeneri ebbero in effetti una breve durata. Il regista Roger Corman, che sarebbe diventato famoso negli anni successivi per i suoi film horror, si unì presto all'American International Pictures per dirigere diversi cosiddetti "film hot-rod", come The fast and the furious (vedi video qui sotto a sinistra), che puntava sull'interesse degli adolescenti per la velocità, le gare automobilistiche (che, come abbiamo visto, erano presenti in film come Gioventù bruciata) e le moto. I film horror e di fantascienza erano altri due "sottogeneri" (spesso incrociati) che sfruttavano gli adolescenti come personaggi in generi che erano abbastanza popolari negli anni '50, quando la Guerra Fredda, la minaccia nucleare e la paura comunista furono tradotte metaforicamente in film. che spesso presentavano mostri e altre creature che minacciavano di distruggere l'umanità o, forse anche peggio, di trasformare gli stessi esseri umani in creature irriconoscibili (vedi il relativo Dossier). La naturale preoccupazione degli adolescenti per i cambiamenti corporei e le identità in formazione poteva essere sfruttata, rendendo gli adolescenti l'oggetto di vari tipi di creature orribili, da una varietà di mostri a zombi e lupi mannari, o, in alternativa, facendo trasformare gli adolescenti stessi in creature che uccidono altri adolescenti. Uno dei primi e più fortunati esempi fu I was a teenage werewolf (vedi il video qui sotto a destra). I film horror e di fantascienza per adolescenti, tuttavia, attraevano gli adolescenti, in parte, per diversi motivi, che hanno a che fare principalmente con il rapporto tra adolescenti e adulti: "Nei film dell'orrore, gli adulti sono il nemico: gli adolescenti cadono vittime di scienziati dementi ed egoisti con piani grandiosi per salvare il mondo dalla distruzione di se stesso. Nei film di fantascienza, le forze del male che gli adolescenti combattono sono il prodotto di errori dell'umanità o della natura o visitatori "inaspettati" dallo spazio o da un'altra dimensione, ma altrettanto minacciosi sono alcuni dei terrestri adulti, vale a dire le figure di autorità su cui gli adolescenti non possono fare affidamento per protezione o aiuto perché sono accecati dalla loro irrazionale sfiducia nei confronti dei giovani. Il vero fascino di questi film per un pubblico più giovane è il modo in cui confermano l'esistenza di un gap generazionale ". (Nota 3). Bisogna anche riconoscere che i film horror/fantascientifici fornivano una sorta di "rete di sicurezza" alle minacce rappresentate dagli adolescenti. Per prima cosa, raramente furono disapprovati dalla censura e dagli adulti perché, come ebbe a dire uno dei manager di AIP, "Le nostre storie sono pura fantasia senza alcun tentativo di realismo. Per questo motivo è difficile vedere come qualcuno potrebbe prendere i nostri film in seria considerazione al punto da provocare danni psicologici ... Gli adolescenti ... riconoscono questo e ridono delle caricature che rappresentiamo, piuttosto che rimanere terrorizzati ". (Nota 4). Inoltre, tali film potevano canalizzare le ansie così chiaramente espresse in film come Gioventù bruciata e Il seme della violenza, così come le minacce adolescenziali rappresentate dal rock'n'roll e dalla delinquenza giovanile, sublimandole nei personaggi più socialmente accettabili e nelle situazioni tipiche dei film horror/sci-fi. Come ha osservato Christopher Lee, star del cinema horror di fama mondiale, "Un paio di film realistici come Fronte del porto e Il seme della violenza possono fare di più per incitare al teppismo di una dozzina di film dell'orrore" (Nota 5). Come vedremo, l'horror adolescenziale come sottogenere era destinato a tornare più volte nei decenni successivi, e fino ad oggi, come uno dei cicli adolescenziali più duraturi (e redditizi). |
2. New "subgenres" in teen exploitation: "hot
rod" and
"horror/science-fiction" movies Among the independent production companies (later called "indies") that were ready to profit from the new rock'n'roll wave, American International Pictures (AIP) was probably the most successful, not least for its clear marketing strategy, which, once wiped out the traditional idea of a film "for the whole family", was summarized as follows: "1. A younger child will watch anything an older child will watch. 2. An older child will not watch anything a younger child will watch. 3. A girl will watch anything a boy will watch. 4. A boy will not watch anything a girl will watch. 5. Therefore, to catch your greatest audience, you zero in on a 19-year-old male." (Note 2) This is, in almost mathematical terms, the strategy underlying much of the so-called teen exploitation movies, i.e. films marketed for teenagers and dealing, although in often simplistic and stereotyped ways, with typical teenage interests, which would soon include other themes besides rock'n'roll. The years leading into the '60s actually saw the success of a varieties of "subgenres" which aimed at quickly exploiting the new "teen wave" before it waned - such subgenres having indeed a short life span. Director Roger Corman, who would become well-known in later years for his horror movies, soon joined American International Pictures in directing several so-called "hot-rod movies", like The fast and the furious (see video below left), which banked on teens' interest for speed, car races (which, as we saw, featured prominently in Rebel without a cause) and motorcycles. Horror and science-fiction films were two (often mixed) other "subgenres" which exploited teenagers as characters in genres which had been quite popular in the '50s, when the Cold War, the nuclear threat and the Communist fear were metaphorically translated into movies which often featured monsters and other creatures who threatened to destroy humankind, or, perhaps even worse, to change the very human beings into unrecognizable creatures (see the relevant Dossier). Teenagers' natural concern for bodily changes and unknown identities could well be exploited, by making teens the object of various kinds of horrific creatures, from a variety of monsters to zombies and werewolves, or, alternatively, by making teens themselves change into creatures killing other teens. One of the first (and most successful) examples was I was a teenage werewolf (see video below right). Teen horror and science-fiction movies, however, appealed to teenagers, in part, for different reasons, which have to do mainly with the relationship between teenagers and adults: "In horror films, adults are the enemy: teenagers fall victim to demented, self-serving scientists with grandiose plans for saving the world from destroying itself. In sci-fi flicks, the evil forces teenagers battle are the product of either mankind's or nature's mistake or surprise visitors from outer space or another dimension.Yet equally menacing are some of the adult Earthlings, namely the authority figures who teenagers can't rely on for protection or help because they are blinded by their irrational distrust of young people. So perhaps the true appeal of these films to a younger audience is the way in which they confirm the existence of a generation gap." (Note 3). One must also recognise that horror/sci-fi films provided a sort of "safety net" to the threats posed by teenagers. For one thing, they were rarely frowned upon by censorship and concerned adults because, as one of the managers of AIP said, "Our stories are pure fantasy with no attempt at realism. Because of this it is difficult to see how anyone could take our pictures so seriously that psychological damage could occur ... Teenagers ... recognise this and laugh at the caricatures we represent, rather than shrink in terror." (Note 4). In addition, such movies could channel the anxieties so clearly expressed in films like Rebel without a cause and Blackboard jungle, as well as the teenage threats represented by rock'n'roll and juvenile delinquency, by sublimating them in the more socially acceptable characters and situations typical of horror/sci-fi films. As Christopher Lee, world-famous horror movie star, remarked, "A couple of realistic films such as On the waterfront and Blackboard jungle can do more to incite hooliganism than a dozen horror films" (Note 5). Teen horror as a subgenre was destined to return again and again in the following decades, and up to this very day, as one of the most enduring (and profitable) teen cycles, as we shall see. |
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The fast and the furious (di/by Roger Corman, USA 1955) |
I was a teenage werewolf (di/by Gene Fowler jr., USA 1957) |
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3. I film "dei bravi ragazzi" Tuttavia, la fine degli anni '50 è stata segnata dall'emergere di una nuova tendenza del cinema che, pur sempre rivolta ai teenager, avrebbe incontrato anche l'approvazione dei genitori: quelli che sono state chiamati "clean teen pictures". Si trattava per lo più di giovani ben educati della classe media il cui interesse principale era divertirsi, inclusi appuntamenti e feste, ma nessuna ribellione, nessun conflitto tra adolescenti e nessun problema sessuale. All'interno di tali "clean teen pics", il "beach movie" (o "film da spiaggia") offriva musica come sottofondo per il divertimento di "clean teens" - prefigurando un successivo interesse per il surf. Questo ciclo sfruttò la popolarità di pop star come Frankie Avalon in Beach party (vedi il video qui sotto a sinistra): "Questi ragazzi non andavano a scuola (era estate), non avevano un lavoro (chi ha bisogno di soldi?) e non reagivano alla crisi nazionale che si stava lentamente sviluppando dopo l'assassinio di Kennedy e la guerra nel sud-est asiatico. I film "da spiaggia" offrivano - come diceva il titolo di un album dei Beach Boys - un'estate senza fine ". (Nota 6) L'indiscussa "regina" delle "clean teen pics" è stata Sandra Dee, che ha offerto l'immagine ideale della ragazza affidabile e senza fronzoli che ha i problemi tipici (ma superficiali) che ogni adolescente può mostrare, in particolare nei rapporti con i genitori e negli appuntamenti o problemi amorosi, che di solito riesce a risolvere con una buona dose di buon senso e senza mai rinunciare alla decenza sociale e agli standard morali che puoi sempre aspettarti da lei. Anche la gioventù rock'n'roll più ribelle (con cui probabilmente lei non uscirà mai) può essere civilizzata da un personaggio così affidabile. Non c'è da stupirsi che una ragazza del genere possa fare appello non solo agli adolescenti (specialmente adolescenti maschi, com'è ovvio), ma anche ai loro genitori. In I cavalloni (vediil video qui sotto a destra) Sandra Dee ha una grandissima cotta per un surfista, a cui però sembra che la sua tavola da surf piaccia più di lei - il che la porterà a conquistarlo facendolo ingelosire. Notate come il trailer si vanti che questo film dimostri che "un adolescente può essere deliziosamente giovanile senza essere delinquente" ... Notate anche gli intermezzi musicali quando, proprio come facevano nei musical classici degli anni '30 e '40 (si veda il relativo Dossier), i personaggi si mettono improvvisamente a cantare per commentare l'azione o le loro emozioni ... |
3. "Clean teen" pics However, the end of the '50 was marked by the emergence of a new trend of movies which, while always targeted at teenagers, would meet parents' approval as well: what have been called "clean teen pictures". These mostly featured well-behaved, middle-class youths whose main interest was having fun, thus including dates and parties, but no rebellion, no teen conflicts and no sex problems. Within such "clean teen pics", the "beach movie" offered music as the background for "clean teens" having fun - foreshadowing a later interest for surfing. This cycle exploited the popularity of pop stars like Frankie Avalon in Beach party (see video below left): "These kids did not go to school (it was summer), did not have jobs (who needs money?) and did not react to the slowly building national crisis after the Kennedy assassination and the war in southeast Asia. The beach films offered - to borrow the title from a Beach Boys album - an endless summer." (Note 6) The undisputed "queen" of the "clean teen pics" was Sandra Dee, who offered the ideal image of the trustworthy, no-fuss girl who has the typical (but superficial) problems any teenager can display, particularly in dealing with parents and dating - problems that she can usually solve with a good dose of common sense and never relinquishing the social decency and moral standards you can always expect from her. Even the most rebellious rock'n'roll youth (whom she would probably never date) can be civilised by such a dependable character. No wonder such a girl could appeal not just to teenagers (especially teenage boys, of course), but to their parents as well. In Gidget (see video below right) Sandra Dee has a huge crush on a surfer, who, however, seems to like his surfing board more than her - which will lead her to win him over by making him jealous. Notice how the trailer boasts that this movie proves that "a teenager can be delighfully juvenile without being delinquent" ... Notice also the musical interludes when, much as they did in the classical musicals of the '30s and '40s (see the relevant Dossier), characters burst out singing to comment on the action or their emotions ... |
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Vacanze sulla spiaggia/Beach party (di/by William Asher, USA 1963) |
I cavalloni/Gidget (di/by Paul Wendkos, USA 1959) |
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Viene da chiedersi come, nel giro di pochi
anni, gli adolescenti che si erano identificati nei "ribelli senza
causa" e andavano pazzi per "Elvis the pelvis" potessero ora godersi le
storie d'amore sanificate e rassicuranti del "ragazzo della porta
accanto" Pat Boone o della "ragazza della porta accanto" Sandra Dee, che
si divertivano in circostanze sicure e approvate dai genitori. Il fatto
è che il pubblico degli adolescenti era pronto a godersi una vasta gamma
di film, con la prima ondata di film "ribelli rock'n'roll" che
attraevano principalmente i ragazzi e la successiva ondata di film
"adolescenti puliti" principalmente mirato alle ragazze. Tuttavia, non tutte i "clean teen pics" erano ambientati in contesti sicuri e confortevoli dove "divertirsi" era l'apparente occupazione principale dei loro personaggi. C'erano anche film che si proponevano di concentrarsi su questioni "adulte" che, ormai, gli adolescenti erano pronti ad esplorare - sebbene non pronti, o meglio, non (ancora) autorizzati a esplorarle a modo loro: il sesso prematrimoniale, i matrimoni tra adolescenti (che stavano diventando sempre più comuni), le gravidanze adolescenziali, l'aborto (e i modi per evitarlo). Le questioni erano ovviamente affrontate da un punto di vista adulto, secondo gli standard prevalenti della classe media. Erano film che tutta la famiglia poteva tranquillamente guardare, e persino incoraggiare a vedere: qui non c'erano giovani delinquenti, ma solo ragazzini che, pur mostrando una serie di problemi tipici della loro età, erano pronti a risolverli con i consigli sani e affidabili di mamma e papà. Il conservatorismo e il conformismo hanno così segnato la fine degli anni '50 e l'inizio degli anni '60, dopo che i delinquenti giovanili erano in declino e prima che si instaurasse una "controcultura" più pervasiva. Elvis Presley è spesso citato come l'esempio più chiaro di questo cambiamento di atteggiamenti: ormai lontano dalla sua immagine di ribelle rock'n'roll di Il delinquente del rock'n'roll (1957 - vedi sopra), dopo il suo ritorno a casa dal servizio militare in Germania, si trasformò in un giovane educato pronto a unirsi al mondo dell'intrattenimento mainstream. 4. Altri generi riflettono questioni adolescenziali: melodramma e musical C'erano altri film che sembravano offrire un trattamento più profondo (o almeno meno superficiale) dei problemi degli adolescenti, sebbene gli anni '50 e l'inizio degli anni '60 non fossero ancora pronti ad affrontare i problemi morali o sessuali con il tono più diretto e "realistico". che i più "rivoluzionari" anni '60 e '70 avrebbero permesso. La rappresentazione diretta di questioni come i rapporti sessuali, la gravidanza e persino l'omosessualità era ancora al di là di ciò che ci si poteva ragionevolmente aspettare da un film di Hollywood operante secondo il Codice di produzione (formalmente abolito solo nel 1968), sebbene, come abbiamo già menzionato, parecchi i registi avessero cominciato ad affrontare tali questioni "adulte", spesso disattendendo i divieti ufficiali. Film del genere offrivano più di uno sguardo sui problemi degli adolescenti, anche se possono sembrare piuttosto conservatori, o almeno molto cauti, per gli standard moderni. Uno dei primi casi era stato La valle dell'Eden, il film d'esordio di James Dean, che si concentrava su un ragazzo, Cal, intrappolato in una famiglia che gli offriva solo motivi di ansia e disperazione, con un padre molto severo, un fratello rivale e una presunta madre deceduta, che si scoprirà gestire un casa di appuntamenti: nessuno, tranne forse una storia d'amore, sembra dargli alcun conforto, il che rende Cal una rappresentazione alternativa, o piuttosto complementare, del Jim Stark di Gioventù bruciata. L'appello di Cal a suo padre per dargli notizie di sua madre, "Parla con me, padre! Devo sapere chi sono, devo sapere come sono ..." (vedi il video qui sotto a sinistra) è parallelo al rifiuto di Cal da parte di sua madre, quando, di nuovo, grida, "Voglio parlare con te, parlami ... per favore!" (vedi il video qui sotto a destra, ed entrambi sembrano riecheggiare il grido disperato di Jim Stark, "Mi state facendo a pezzi!" - le famiglie non offrono alcuna rete di sicurezza né alcun supporto emotivo a questi ragazzi ipersensibili alla disperata ricerca della propria identità. |
One is left to wonder how, within just a few years, teenagers who
had identified in "rebels without causes" and craved for Elvis "the
pelvis" could now enjoy the sanitized, reassuring love romances
portrayed by the "boy next door" Pat Boone or the "girl-next-door" Sandra Dee,
who just had fun in safe, parent-approved circumstances. The fact is
that teen audiences, i.e. teen moviegoers, were ready to enjoy a wide
range of movies, with the early wave of "rock'n'roll rebels" movies
clearly appealing mostly to boys and the later wave of "clean teens"
movies mostly targeted at girls. However, not all "the clean teen pics" were set in safe, comfortable contexts where "having fun" was the apparent main occupation of their characters. There were also movies that set out to focus on "adult" issues which, by now, teenagers were ready to explore - although not ready, or rather, not (yet) allowed to explore in their own way: premarital sex, teenage marriages (which were becoming more and more common), teenage pregnancy, abortion (and ways to avoid it). The issues were obviously addressed from an adult point of view, according to the prevailing middle-class standards. These were movies that all the family could safely enjoy, and even encouraged to see: no juvenile delinquents here, but just kids that, while displaying a range of problems typical of their age, were ready to solve them with Dad and Mum's sound, reliable advice. Conservatism and conformity thus marked the end of the '50s and early '60s, after juvenile delinquents were on the wane and before a more pervasive "counterculture" would set in. Elvis Presley is often quoted as the clearest example of this change in attitudes: far from his image of the rock'n'roll rebel of Jailhouse rock (1957 - see above), after his return home from doing his military service in Germany, he turned into a well-behaved youngster ready to join the mainstream world of entertainment. 4. Other genres reflect teen issues: melodrama and musical There were other movies that seemed to offer a deeper (or at least less superficial) treatment of teenagers' issues, although the '50s and early '60s were not yet ready to address moral or sexual problems with the more direct and "realistic" tone that the more "revolutionary" late '60 and '70s would allow. Straightforward depiction of issues like sexual intercourse, pregnancy, and even homosexuality was still beyond what could reasonably be expected from a Hollywood movie operating under the Production Code (which was formally abolished in 1968), although, as we have already mentioned, quite a few directors had begun to address such "adult" issues, often in defiance of official prohibitions. Such films offered more than a glimpse into teenage troubles, even though they may appear rather conservative, or at least very cautious, by modern standards. An early case had been East of Eden, James Dean's debut feature film, which concentrated on a boy, Cal, trapped within a family offering him only causes for anxiety and desperation, with a very strict father, a rival brother and a supposedly deceased mother, whom he discovers runs a brothel - nobody, except perhaps a love story, seems to give him any solace - which makes Cal an alternative, or rather complementary, depiction of the Jim Stark of Rebel without a cause. Cal's appeal to his father to tell him about his mother, "Talk to me, father! I gotta know who I am, I gotta know what I'm like ..." (see video below left) runs parallel with Cal's rejection by his mother, when, again, he cries, "I wanna talk to you, talk to me ... please!" (see video below right), and they both seem to echo Jim Stark's desperate cry, "You're tearing me apart!" - families do not offer any safety net nor any emotional support to these hyper-sensitive kids desperately searching for their own identity. |
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La valle dell'Eden/East of Eden (di/by Elia Kazan, USA 1955) |
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Una rappresentazione piuttosto esplicita
della sessualità adolescenziale, o meglio della sua repressione da
parte della famiglia e della società, fu offerta da Splendore
nell'erba, che, ancora una volta, segnò il debutto di un'altra
futura star, Warren Beatty, in coppia con Natalie Wood ( che aveva
interpretato la ragazza di Jim Stark in Gioventù bruciata).
Ambientato sullo sfondo della Grande Depressione del 1929, il film è
una storia potente ma commovente di una giovane coppia innamorata,
Bud e Deanie, il cui impulso sessuale è apertamente, duramente
represso dalla madre della ragazza, ossessionata dalla verginità di
sua figlia, e dal il padre del ragazzo, che preferirebbe vedere suo
figlio esprimere la sua sessualità con una prostituta piuttosto che
permettere il sesso prematrimoniale (vedi il video qui sotto a
sinistra). L'ipocrisia, il conformismo e l'individualismo di una
società puritana patriarcale vengono drammaticamente smascherati
mentre la giovane coppia cerca disperatamente di costruire una
propria identità e raggiunge così una maturità che è loro negata
senza speranza. La loro è una situazione tragica, come uno
psichiatra dice alla ragazza (che alla fine sarà ricoverata in
ospedale), "Dovrai cambiare - non puoi aspettartelo dai tuoi
genitori, dal momento che non possono farlo da soli". Il
fallimento familiare e sociale nel comprendere e apprezzare i
problemi dei giovani viene così drammaticamente denunciato. In uno dei finali più tristi e toccanti della storia del cinema di Hollywood (vei il video qui sotto al centro), dopo qualche anno Deanie va a trovare Bud, che ora è sposato e con una moglie incinta. Lei gli chiede: "Sei felice, Bud?", E lui risponde: "Immagino di sì. Non mi pongo questa domanda molto spesso. E tu?" - "Mi sposerò il mese prossimo ..." e l'ultima osservazione di Bud è: "Devi prendere quello che viene". E quando la sua amica chiede a Deanie se ama ancora Bud (vedi il video qui sotto a destra), Deanie risponde: "Niente può riportare l'ora dello splendore nell'erba", citando l'"Ode on Intimations of Immortality" di William Wordswoth. Bud e Deanie hanno alla fine rinunciato ai loro sogni e hanno sacrificato non solo la loro giovinezza, ma il loro più intimo bisogno di identità e autorealizzazione - un prezzo che devono pagare per dimenticare la loro adolescenza ed entrare nel conformismo dell'età adulta. |
A rather explicit depiction of teen sexuality, or, rather of its
repression by family and society, was offered by Splendor in
the grass, which, again, marked the debut of another star-to-be,
Warren Beatty, teamed with Natalie Wood (who had played Jim Stark's
girlfriend in Rebel without a cause). Set against the
background of the 1929 Great Depression, the film is a powerful yet
touching story of a young couple in love, Bud and Deanie, whose sexual urge is
openly, harshly repressed by the girl's mother, obsessed with her
daughter's virginity, and the boy's father, who would rather see his
son express his sexuality with a prostitute rather than allowing
pre-marital sex (see video below left). The hypocrisy, conformism and individualism of a
patriarchal puritan society are dramatically exposed as the young
couple desperately try to build an identity of their own and thus
reach a maturity which is helplessly denied to them. Theirs is a
tragical plight, as a psychiatrist tells the girl (who will
eventually be hospitalised),
"You will need to change - you can't
expect that from your parents, since they just can't do it
themselves". Family and social failure in understanding and
appreciating youth problems is thus dramatically exposed. In one of the saddest and most touching endings in the history of Hollywood cinema (see video below centre), after a few years Deanie goes to see Bud, who is now married and with a pregnant wife. She asks him, "Are you happy, Bud?", and he answers, "I guess so. I don't ask myself that question very often. How about you?" - "I'm getting married next month ... " and Bud's final remark is, "You've got to take what comes". And when her friend asks Deanie if she still loves Bud (see video below right), Deanie replies, "Nothing can bring back the hour of splendor in the grass", quoting William Wordswoth's "Ode on Intimations of Immortality". Bud and Deanie have finally given up their dreams and sacrificed not just their youth, but their most intimate need for identity and self-actualization - a price they have to pay to forget their adolescence and enter the conformity of adulthood. |
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Splendore nell'erba/Splendor in the grass (di/by Elia Kazan, USA 1961) |
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Stava chiaramente emergendo una nuova
sensibilità, che prefigurava la "New Hollywood" che avrebbe presto
assunto una spinta rivoluzionaria più esplicita. Ma negli anni '50
bisognava ancora stare attenti quando si trattava di problematiche
adolescenziali che, piuttosto ironicamente, venivano descritte come
contenuti "adulti". Questo è accaduto al regista Vincent Minnelli
nel descrivere la difficile situazione di un giovane universitario,
Tom, che viene preso in giro dai suoi amici che mettono in dubbio la
sua "virilità" e l'apparente disinteresse per le ragazze (vedi il
video qui sotto a sinistra). Ciò che nella commedia originale era
chiaramente descritta come omosessualità, il film descrive come
ipersensibilità di Tom - che incontra la "simpatia" della moglie del
direttore del college (Deborah Kerr): lei, piuttosto che
una ragazza qualsiasi, lo introdurrà al sesso, ma soprattutto, lo
aiuterà a ritrovare la sua autostima e quindi ad avanzare nell'età
adulta. Il film è molto attento nel ritrarre questa relazione
piuttosto non convenzionale. Come i titoli di coda sono ansiosi di
sottolineare: "Anche la storia più audace può essere portata
sullo schermo ... se fatta con coraggio, onestà e buon gusto",
mentre stuzzica il pubblico: "La scena d'amore di cui si parlerà
per anni ", allo stesso tempo rivalutando il ruolo della donna
nel raggiungimento della maggiore età di Tom. Le sue ultime parole
sono, "In futuro, quando ne parlerai, e certamente lo farai, sii
gentile "- una storia di adolescenza che si trasforma in un potente
melodramma. Altre produzioni hollywoodiane ad alto budget, non specificamente o esclusivamente rivolte agli adolescenti, hanno esplorato temi adolescenziali, come il musical West Side Story (vedi il video qui sotto a destra), che, nel ritrarre le tensioni razziali e sociali tra le bande bianche e quelle portoricane nel West Side di New York nella povertà del dopoguerra, fa di questo contesto travagliato lo sfondo del classico racconto da "Romeo e Giulietta", in cui i due giovani amanti sono divisi dalla loro appartenenza a due comunità etniche diverse e in competizione. La narrazione trae il massimo profitto dalle canzoni e dalla musica del compositore Leonard Bernstein, e ancor di più dalla coreografia, che sono potentemente impiegate dal regista Robert Wise e dal coreografo Jerome Robbins per descrivere un dramma adolescenziale dalle connotazioni sociali, oltre che personali. |
A new sensibility was clearly emerging, foreshadowing the "New
Hollywood" which was soon to take up a more explicit revolutionary
urge. But in the '50s one still had to be careful when dealing with
adolescent issues which, rather ironically, were described as
"adult" content. This happened to director Vincent Minnelli
in depicting the plight of a college boy, Tom, who is made a fool of
by his friends who question his "virility" and apparent disinterest
in girls (see video below left). What in the original play was
clearly described as homosexuality, the films tones down to Tom's
hyper-sensibility - which meets the "sympathy" of the college
director's wife (Deborah Kerr): she, rather than just any girl, will
introduce him to sex, but more than that, will help him regain his
self-esteem and thus advance into adulthood. The movie is very
careful in portraying this rather unconventional relationship. As
the initial credits are eager to underline: "Even the most daring
story can be brought to the screen ... when done with courage,
honesty and good taste", while titillating the audience: "The love
scene that will be talked about for years", and at the same time
re-valueing the woman's role in Tom's coming-of-age, in her final
words to Tom: "Years from now, when you talk about this, and you
will, be kind" - a teen story which turns into a powerful melodrama. Other Hollywood big-budget productions, not specifically or exclusively targeted at teenagers, explored teen themes, as the musical West Side Story (see video below right), which, in portraying the racial and social tensions between white and Puertorican gangs in post-war, poverty-stricken New York's West Side, makes this troubled context the background to the classic "Romeo and Juliet" tale, where the two teenage lovers are divided by their belonging to two different and competitive ethnic communities. The narrative profits most from the songs and music from composer Leonard Bernstein, and even more from the choreography, which are powerfully employed by director Robert Wise and choreographer Jerome Robbins to describe a social, as well as personal, teenage drama. |
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Tè e simpatia/Tea and sympathy (di/by Vincente Minnelli, USA 1956) |
West Side Story (di/by Robert Wise e/and Jerome Robbins, USA 1961) |
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Tutto sommato, gli anni '50 hanno
fornito, in pochi anni, un'incredibile gamma di film, a
testimonianza del fatto fondamentale che gli Stati Uniti (e il mondo
occidentale) stavano cambiando a una velocità senza precedenti: la
differenza tra i "ribelli" del 1955 e gli "adolescenti puliti" del
1960 rappresentano effettivamente un divario generazionale.
Affermare che esiste un'unica immagine per rappresentare la vita
adolescenziale negli anni '50 equivale a semplificare eccessivamente
una serie di atteggiamenti e gusti estremamente diversificati e,
come abbiamo visto, spesso contraddittori. 4. Un decennio ribelle: gli anni '60 Nel giro di pochi anni, l'atmosfera sociale e culturale subì drammatici cambiamenti, non solo negli Stati Uniti, ma nel mondo occidentale e anche altrove, culminando in quello che sarebbe rimasto un sinonimo di ribellione e "controcultura": l'anno 1968. Il decennio fu testimone di una serie di eventi cruciali, che contribuirono a mettere in moto drastici cambiamenti nella cultura giovanile in particolare: la Guerra Fredda raggiunse il suo culmine con la "crisi missilistica di Cuba" (1962), la guerra in Vietnam scatenò proteste sempre più violente, con marce e manifestazioni in tutto il mondo; l'assassinio di John (1963) e Robert (1968) Kennedy scosse l'America fin dalle sue radici, e l'onnipresente problema razziale ricevette una nuova enfasi con l'assassinio di Malcolm X (1965) e Martin Luther King (1968). L'elezione del repubblicano Nixon a presidente degli Stati Uniti per due mandati (a partire dal 1968 e dal 1972) fu solo un altro passo in una crisi politica che avrebbe portato allo scandalo Watergate, con Nixon che alla fine lasciò l'incarico nel 1974. Un anno dopo, la guerra del Vietnam finì in quella che fu sostanzialmente una sconfitta degli Stati Uniti. Una serie così impressionante di eventi drammatici ha alimentato reazioni violente da parte dei giovani, specialmente nella crescente popolazione universitaria, di fronte a chiari paradossi come essere arruolato per combattere in Vietnam ma non avere ancora il diritto di voto. Quello che negli anni '50 era stato un sentimento di alienazione e ansia esistenziale, pur con costanti dimensioni socio-culturali ed economiche, assumeva ora connotazioni chiaramente politiche. Ben presto i movimenti di protesta finirono per prendere di mira l'intero "sistema" istituzionale, dando pieno sfogo a nuovi stili di vita alternativi. Il rock'n'roll, che negli anni precedenti aveva preannunciato la ribellione giovanile, era ora al servizio dei nuovi messaggi di una generazione di giovani, che nel frattempo sperimentava anche la droga. Con l'abolizione del Codice di Produzione, che, come abbiamo già visto, fungeva da principale fonte di censura, e il nuovo sistema di classificazione che identificava i film che potevano essere visti da persone sotto i 17 anni insieme ai genitori (valutazione "R"), piuttosto che da persone di età pari o superiore a 17 anni (valutazione "X"), i film potevano ora trattare problemi più "adulti", che, tuttavia, erano anche le principali preoccupazioni degli adolescenti, come droga, violenza, sesso, adulterio, omosessualità, impotenza, aborto ... denunciando allo stesso tempo il rifiuto, da parte degli adolescenti, del mondo degli adulti e illustrando i loro modi alternativi di far parte della società. I film per adolescenti della fine degli anni '60 e dell'inizio degli anni '70 riflettevano questi contesti culturali in cambiamento in una varietà di modi, con Hollywood ovviamente, come sempre, pronta a sfruttare l'intera gamma delle nuove questioni in gioco, dalle proteste degli studenti alla sperimentazione di droghe. libertà sessuale, "amore libero" e vita nelle "comuni". 5. Nuovi (e ricorrenti) cicli di film Roger Corman, che, come abbiamo visto, aveva aperto nuovi orizzonti con i film "hot rod", sviluppò ulteriormente questo ciclo un decennio dopo, con I selvaggi (vedi il video qui sotto a sinistra). Questo cosiddetto "biker movie" ritrae ancora una volta lo stile di vita di una banda di motociclisti, che, decidendo di organizzare il funerale di uno dei loro componenti ucciso per strada, finisce in una baraonda totale. La telecamera a mano segue da vicino i movimenti di questi giovani che sembrano non avere molto altro da fare. Il film causò un'ondata di proteste morali sia negli Stati Uniti che da parte della critica americana ed europea quando fu scelto per rappresentare ufficialmente il cinema statunitense alla Mostra del Cinema di Venezia. I selvaggi prefigurò il successo di Easy rider nel 1969 (con Peter Fonda protagonista in entrambi i film - più il regista Dennis Hopper e Jack Nicholson) (vedi il video qui sotto a destra). Tuttavia, questa volta il "biker movie" trattava anche dell'uso (pesante) di droghe, che nel frattempo era diventato un indicatore di quello che potremmo chiamare il ciclo del "drug movie". Easy rider, tuttavia, è un esempio più classico di film "on the road", con i suoi personaggi che viaggiano attraverso gli Stati Uniti sui loro "choppers" (una delle motociclette preferite dagli "hippy"), incontrando persone di vario genere e finendo tragicamente. Il film rimane una delle rappresentazioni di maggior successo dello stile di vita alternativo degli anni '60, tra uso di droghe, musica pop e rock (con star come Bob Dylan e Jimi Hendrick nella colonna sonora) e il pacifismo hippy, con un amara enfasi sulla decadenza del mito americano. Il pericolo per l'establishment rappresentato dalla ribellione degli adolescenti assumeva una nuova dimensione, come sentiamo dire dai personaggi: - "Hanno paura di quello che rappresenti" - "Tutto quello che noi rappresentiamo per loro è che abbiamo bisogno di farci tagliare i capelli" - "Quello che rappresenti per loro è la libertà" |
All in all, the '50s provided,
within just a few years, an amazing range of movies, which is
witness to the basic fact that the US (and the Western world) were
changing at a unprecedented rate of speed - the difference between
the "rebels" of 1955 and the "clean teens" of 1960 does indeed
represent a generational gap. To maintain that there is a single
image to represent teenage life in the '50 equals to oversimplifying
an array of attitudes and tastes which was extremely diversified,
and even, as we have seen, often contradictory. 4. A rebellious decade: the '60s Within a few years, the social and cultural atmosphere underwent dramatic changes, not just in the US, but in the Western world and even elsewhere, culminating in what would remain a synonym of rebellion and "counterculture" - the year 1968. The decade witnessed a number of crucial events, which helped to set in motion drastic changes in youth culture in particular: the Cold War reached its climax with the "Cuba missile crisis" (1962), the war in Vietnam sparked off increasingly violent protests, with marches and demonstrations taking place worldwide; the assassination of John (1963) and Robert (1968) Kennedy shook America from its very roots, and the ever-present racial problem was given new emphasis with the assassination of Malcolm X (1965) and Martin Luther King (1968). The election of Republican Nixon as US President for two terms (starting in 1968 and 1972) was just another step in a political crisis that would lead to the Watergate scandal, with Nixon finally leaving office in 1974. A year later, the Vietnam war ended in what was substantially a US defeat. Such an impressive array of dramatic events fueled violent reactions from young people, especially in the growing college population, facing clear paradoxes like being drafted to fight in Vietnam but not yet having the right to vote. What in the '50s had been a feeling of alienation and existential anxiety, though with constant socio-cultural and economic dimensions, now assumed clearly political connotations. Soon the protest movements ended up targeting the whole institutional "system", giving full vent to new, alternative lifestyles. Rock'n'roll, which had heralded youth rebellion in previous years, was now in the service of new messages from a generation of young people, who was in the meantime also experimenting with drugs. With the abolition of the Production Code, which, as we have already seen, worked as the main source of censorship, and the new rating system which identified movies to be viewed by people under 17 together with parents ("R" rating), rather than by people 17 or older ("X" rating), movies could now deal with more "adult" issues - which, however, were also the primary concerns of teenagers, like drugs, violence, sex, adultery, homosexuality, impotence, abortion ... exposing at the same time their rejection of the adult world and their alternative ways of being part of society. Teen films of the late '60s and early '70 reflected these changing cultural contexts in a variety of ways, with Hollywood obviously, as ever, ready to exploit the full range of the new issues at stake, from students' protests to drug experimentation to sexual freedom, "free love" and communal living. 5. New (and recurring) film cycles Roger Corman, who, as we have seen, had broken new ground with "hot rod" movies, further developed this cycle a decade later, with The wild angels (see video below left). This so-called "biker movie" once again portrayed the lifestyle of a gang of riders, who, deciding to organize the funeral of one of their members killed on the road, end up messing it all up. The hand-held camera closely follows the movements of these youths who do not seem to have much else to do. The movie caused a wave of moral protest both across the US and by American and European critics when it was chosen to officially represent US cinema at the Venice Film Festival. The wild angels foreshadowed the success of Easy rider in 1969 (with Peter Fonda starring in both movies - plus director Dennis Hopper and Jack Nicholson)(see video below right). However, this time the "biker movie" also dealt with the (heavy) use of drugs, which in the meantime had become a marker of what could be called the "drug movie" cycle. Easy rider, however, is a more classical example of movies "on the road", with its characters travelling across the US on their "choppers" (a favourite "hippy" motorcycle), meeting people of various sorts, and ending tragically. The film remains one of the most successful depictions of the alternative lifestyle of the '60, including, in addition to drug use, pop and rock music (with stars such as Bob Dylan and Jimi Hendrick on the soundtrack) and hippy pacifism, with a bitter emphasis on the decadence of the American myth. The danger to the establishment represented by teenagers' rebellion has taken on a new dimension, as we hear characters speaking: - "They're scared of what you represent" - "All that we represent to them is somebody needs haircut" - "What you represent to them is freedom" |
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I selvaggi/The wild angels (di/by Roger Corman, USA 1966) |
Easy rider (di/by Dennis Hopper, USA 1969) |
| Proteste e dimostrazioni divennero lo sfondo ideale per una serie di film che, con diversi gradi di realismo e analisi critica, erano incentrati su studenti in età universitaria (i campus universitari erano i luoghi in cui tali eventi si verificavano maggiormente), concentrandosi quindi sull'azione collettiva piuttosto che individuale - o, in altre parole, con un approccio politico/sociologico piuttosto che psicologico. A volte questi film cercavano di mettere in scena la difficile situazione del protagonista, intrappolato tra il richiamo del "sistema" (che era allo stesso tempo l'obiettivo principale della protesta politica) e la sua coscienza sociale e individuale, come in L'impossibilità di essere normale (vedi il video qui sotto a sinistra - Elliot Gould nel ruolo del personaggio principale, con Harrison Ford nel suo secondo ruolo, sia pure minore). Nella maggior parte degli altri casi, il corpo degli studenti occupa un posto centrale, come in Fragole e sangue (vedi il video qui sotto a destra), che vinse il Premio della giuria al Festival di Cannes e che viene ricordato principalmente per la sua sequenza finale, con la polizia che carica gli studenti mentre questi cantano "Give peace a chance" dei Beatles. |
Protests and demonstrations became the ideal background to a
series of films which, with varying degrees of realism and critical
analysis, were focused on college-aged students (university campuses
being the places where such events mostly occurred), thus focusing
on collective, rather than individual, action - or, in other words,
with a political/sociological rather than psychological approach.
Sometimes such movies tried to stage the protagonist's plight,
caught between the lure of the "system" (which was at the same time
the main target of political protest) and his social and individual
consciousness, as in Getting straight (see video below
left - Elliot Gould starring as the main character, with Harrison
Ford in his second, minor, role). In most other cases, the students' body takes central stage,
as in The strawberry statement (see video below right),
which won the Jury Prize at the Cannes Film Festival, and which is
mainly remembered for its final sequence, with police charging as
the students sing The Beatles' "Give
peace a chance". |
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L'impossibilità di essere normale/Getting straight (di/by Richard Rush, USA 1970) |
Fragole e sangue/The strawberry statement (di/by Stuart Hagmann, USA 1970) |
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La liberazione sessuale, insieme ai
movimenti femministi, era un altro caposaldo dei film degli anni '60,
che erano in grado di affrontare il sesso sullo schermo con
relativamente più libertà rispetto agli anni '50 - un grado di libertà
che poteva sembrare piuttosto rivoluzionario per gli standard del tempo.
Tuttavia, la raffigurazione del "raggiungimento della maggiore età"
sessuale degli adolescenti non fu sempre così facile e diretta come i
nuovi standard sembravano promettere. Brevi giorni selvaggi, ad
esempio (vedi il video qui sotto a sinistra), inizia come un "film da
spiaggia", con due ragazzi e una ragazza, chiaramente borghesi, che
trascorrono del tempo su una spiaggia di Long Island, scoprendo e
mettendo alla rova idee e sentimenti sulla vita, l'amore, la lealtà e la
violenza. Tuttavia, quando una seconda ragazza si unisce al gruppo,
l'atmosfera apparentemente idilliaca viene presto interrotta, poiché
emergono domande di lealtà e tradimento che trasformano l'esperienza di
questi giovani in un incubo, con una delle ragazze che finisce
violentata. Film come questo suggeriscono che la scoperta e il godimento
del sesso da parte degli adolescenti non è affatto una cosa facile e può
avere conseguenze gravi, se non tragiche. Come dice la voce fuori campo
nel trailer, "Quando l'estate scorsa è iniziata erano ragazzi,
quando è finita erano qualcos'altro - il ragazzo di oggi muore, mentre
nasce l'uomo di domani". Un altro film che affrontò almeno in parte gli stessi temi fu Conoscenza carnale (vedi il video qui sotto a destra), anche se con una focalizzazione diversa. Ambientato, all'inizio, negli anni immediatamente successivi alla fine della seconda guerra mondiale, è "tipicamente anni '60" nella sua rappresentazione schietta ed esplicita della vita "facile" di due studenti universitari (Jack Nicholson e Art Garfunkel del duo Simon & Garfunkel), che trascorrono gran parte del loro tempo a festeggiare, divertirsi, fare sesso e scambiarsi amiche - solo per ritrovarsi, una ventina di anni dopo, amaramente delusi da come la vita si è evoluta per entrambi. |
Sexual liberation, together with feminist movements, was another
staple of '60s movies, which were able to deal with sex on the
screen with relatively more freedom than their '50s counterparts - a
degree of freedom that could seem quite revolutionary by the time's
standards. However, the depiction of teens' sexual "coming of age"
was not always as easy and straightforward as the new standards
might seem to promise. Last summer, for example (see video
below left), could be seen to start as a "beach movie", with two
boys and a girl, clearly middle-class, spending some time on a Long
Island beach, discovering and testing ideas and feelings about life,
love, loyalty - and violence. As a matter of fact, when a second
girl joins the group, the apparently idyllic atmosphere is soon
disrupted, as questions of loyalty and betrayal soon emerge and turn
these youths' experience into a nightmare, with one of the girls
ending up raped. Thus the films suggests that teenagers' discovery
and enjoyment of sex is by no means an easy matter and can have
serious, if not altogether tragic, consequences. As the voice-over
in the trailer says,
"When last summer began they were children,
when it ended they were something else - today's child dies,
tomorrow's man is born". Another film which tackled at least partially the same themes is Carnal Knowledge (see video below right), though with a different focus. Set, at the start, in the years immediately following the end of World War II, it is in a way "typically '60s" in its frank, explicit portrayal of the "easy" life of two college students (Jack Nicholson and Art Garfunkel of the Simon & Garfunkel duo), who spend much of their time partying, having fun and sex, and exchanging girldfriends - only to find themselves, some twenty years later, bitterly disappointed at how life has then evolved for both of them. |
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Brevi giorni selvaggi/Last summer (di/by Frank Perry, USA 1969) |
Conoscenza carnale/Carnal knowledge (di/by Mike Nichols, USA 1971) |
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6. La fne di un
sogno: gli anni '70 I documentari che testimoniano i concerti oceanici dei primi anni '70, come Monterey pop, Woodstock e Gimme Shelter (guarda i video qui sotto), sono allo stesso tempo una celebrazione della "controcultura" degli anni '60 e il "canto del cigno" di quella stessa cultura. Da un lato, la "cultura adolescenziale" poteva ormai essere meglio descritta come "cultura giovanile", dal momento che le folle presenti in quei film erano per lo più ventenni: il rock ('n'roll), in altre parole, era ormai riconosciuto e fatto proprio da una generazione i cui limiti si stavano rapidamente allargando. D'altra parte, le promesse e gli ideali utopici dei movimenti hippy e dei figli dei fiori stavano già cedendo il passo ad atteggiamenti più disillusi e stavano già indicando un nuovo tipo di alienazione giovanile - poiché il "sistema" si dimostrava molto più potente e difficile rovesciare e/o sostituire (non da ultimo per la sua tendenza e prontezza ad assorbire e quindi disarmare i suoi avversari). Questa evoluzione piuttosto rapida è evidente nel breve periodo entro il quale si svolsero i tre eventi principali sopra menzionati. Monterey pop catturò i momenti salienti del Pop Festival tenutosi a Monterey (California) il 16, 17 e 18 giugno 1967 - l'inizio della cosiddetta "estate dell'amore" per i "figli dei fiori" (vedi il concerto completo qui). Woodstock, che vinse un Oscar per il miglior documentario, è una ricreazione del Music and Art Festival tenutosi a Bethel, New York, il 15, 16 e 17 agosto 1969. E Gimme Shelter ha documentato il concerto gratuito tenuto dai Rolling Stones ad Altamont Speedway (San Francisco) nel dicembre 1969 - un concerto che finì nella violenza e persino nell'omicidio di un membro del pubblico - segnando così la fine precoce del messaggio di pace, amore e speranza che era stato lanciato solo un paio di anni prima, e, con esso, la fine di un sogno. |
6. End of a dream: the '70s The documentaries witnessing the "big crowds" concerts of the early '70s, like Monterey pop, Woodstock and Gimme Shelter (see videos below), are at the same time a celebration of the '60s "counterculture" and the "swan song" of that same culture. On the one hand, "teen culture" could by now be better described as "youth culture", since the crowds featured in those films were mostly in their twenties - rock ('n'roll), in other words, was now recognised and appropriated by a generation whose limits were quickly broadening. On the other hand, the promises and utopian ideals of the hippy/flower children movements were already giving way to more disillusioned attitudes and were already pointing to a new kind of youth alienation - as the "system" proved to be much more powerful and difficult to overthrow and/or replace (not least for its tendency and readiness to absorb and thus disarm its opponents). This rather quick evolution is apparent in the short period within which the three major events mentioned above were held. Monterey pop captured highlights of the Pop Festival held in Monterey (California) on 16, 17 and 18 June 1967 - the start of the so-called "summer of love" for "flower children" (watch the full concert here). Woodstock, which won an Aacademy Award for Best Documentary, is a recreation of the Music and Art Festival held in Bethel, New York, on 15, 16 and 17 August 1969. And Gimme Shelter documented the free concert held by the Rolling Stones in Altamont Speedway (San Francisco) in December 1969 - a concert which ended up in violence and even a murder of an audience member - thus marking the precocious end of the message of peace, love and hope which had been launched just a couple of years before, and, with it, the end of a dream. |
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Monterey pop (di/by Don Alan Pennebaker, USA 1969) |
Gimme shelter (di/by Albert e/and David Maysles, Charlotte Zwerin, USA 1970) |
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Woodstock - Tre giorni di pace, amore e musica/Woodstock (di/by Michael Wadleigh, USA 1970) |
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| Ovviamente, Hollywood ha giocato ancora una volta un ruolo importante nel processo di assimilazione in base al quale i film di "controcultura" sono presto diventati parte della produzione principale di Hollywood, che era pronta a dare agli spettatori (un pubblico che ormai stava gradualmente includendo anche i "giovani adulti" oltre ai teenagers) ritratti di una gamma completa di immagini giovanili: dai motociclisti inclini alla droga di Easy rider (vedi sopra), che soccombono al fallimento del sogno americano, ai ribelli romantici ma condannati di Bonnie e Clyde (video 1 qui sotto), dal fare l'amore a coppie nel deserto di Zabriskie Point (video 2) (con una villa che alla fine esplode, mandando in aria tutti i simboli del consumo di massa - Video 3) al ragazzo alienato e confuso de Il laureato (video 4), che alla fine rapisce la sua ragazza, che si è appena sposata, e, dopo aver bloccato la porta della chiesa con una croce (una facile metafora), prende un autobus con lei, ed entrambi alla fine fissano perplessi la telecamera, incerti sul loro presente e ancora di piùhe m ore sul loro futuro ... |
Of course, Hollywood once again played a major role in the
assimilation process whereby "counterculture" movies soon became
part of the mainstream Hollywood production, which was ready to give
moviegoers (an audience which by now was now gradually including
"young adults" as well as teenagers) portraits of a full range of
youth images: from the drug-prone bikers of Easy rider (see
above),
succumbing to the failure of the American dream, to the romantic but
doomed rebels of Bonnie and Clyde Video 1 below, from the love-making
couples in the desert of Zabriskie Point (Video 2)(with a villa exploding in the end, sending all symbols of mass
consumption into the air - Video 3 to the alienated, confused boy of The
graduate (Video 4), who eventually kidnaps his girlfriend, who has just
got married, and, after blocking the church door with a cross (an
easy metaphor), catches a bus with her, with both of them finally
staring puzzled at the camera, uncertain about their present and
even more about their future ... |
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Video 1 Gangster story/Bonnie and Clyde (di/by Arthur Penn, USA 1967) Video 2 Zabriskie Point (di/by Michelangelo Antonioni, USA 1970) Video 3 Zabriskie Point (di/by Michelangelo Antonioni, USA 1970) Video 4 Il laureato/The graduate (di/by Mike Nichols, USA 1967) |
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| 7. Ritorno al passato: i film "nostalgici" | 7. Back to the past: nostalgic films |
| "La novità principale dei film americani negli anni Settanta è ciò che è vecchio. Gli anni Settanta non hanno una cultura propria, nessuno stile, a meno che non sia nostalgia" - James Monaco (Nota 7 | "The main thing new about American movies in the seventies is what's old. The seventies have no culture of their own, no style, unless it's nostalgia" - James Monaco (Note 7) |
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Quando le utopie falliscono e si crea una
delusione, creando una sorta di vuoto che non può essere colmato
facilmente, quando il presente è così vuoto di valori e di significato,
è quasi inevitabile che si ritorni al passato, come se il passato fosse
il contenitore di sogni perduti da tempo - ricostruendo così un'immagine
del passato che, sebbene lungi dall'essere vera, fornisce tuttavia il
sentimento dolce-amaro della nostalgia. È il caso degli anni '70, quando gli adolescenti (e, con loro, i loro genitori, gli adolescenti degli anni '50) hanno avuto la possibilità di guardarsi indietro e trovare conforto e divertimento in persone, luoghi e situazioni che non avevano vissuto, ma che potrebbe essere considerati come un'"età dell'oro perduta". L'ultimo spettacolo (vedi il video qui sotto a sinistra) è stato uno dei primi film a riportare il pubblico negli anni '50, in una piccola città del Texas, dove Sonny, il protagonista, riceve in eredità una sala cinematografica, e nel frattempo ha una relazione con la moglie del suo allenatore di calcio. Sebbene si concentri su un contesto del dopoguerra, il film aveva molto da offrire al pubblico del tempo, concentrandosi su questioni di sesso, genere e matrimonio, e allo stesso tempo fornendo un'immagine triste della fine di un cinema e di un ritratto di una generazione in cui gli spettatori del tempo potevano identificarsi. Una situazione simile è descritta in Quell''estate del '42 (vedi il video qui sotto a destra), dove l'azione è spostata più indietro nel tempo, raccontando la storia di Armie, un adolescente che si prende una grande cotta per una donna sposata, che, dopo che il marito viene ucciso in guerra, lo introduce nel mondo del sesso, anche se la mattina dopo lo lascia alla sua vita, alla sua confusione e ai suoi sentimenti contrastanti. Come in retrospettiva dice il protagonista come voce fuori campo, alla fine "Quell'estate ho perso Armie per sempre" - quell'estate ha segnato la fine della sua adolescenza e la perdita dei suoi sogni. |
When utopias fail and disappointment sets in, creating a sort of
a vacuum which can't easily be filled, when the present is so empty
of values and meaning, it is almost inevitable that one turns back
to the past, as if the past were the container of long-lost dreams -
thus re-constructing an image of the past which, though far from
being true, nevertheless provides the bitter-sweet feeling of
nostalgia. Such was the case in the '70s, when the teenagers (and, with them, their parents, the teenagers of the '50s) had a chance to look back and find solace and enjoyment in people, places and situations which they had not lived, but could be taken as a "lost golden age". The last picture show (see video below left) was one of the first movies to take audiences back to the '50s, in a small town in Texas, where Sonny, the protagonist, receives a movie theatre as a legacy, and in the meantime has a relationship with his football coach's wife. Though focussing on a post-war context, the movie has much to offer to a present audience, focussing as it does on issues of sex, gender and marriage, and at the same time provides a sad picture of the end of a cinema and a portrait of a generation which present-time viewers can identify with. A similar situation is described in Summer of '42 (see video below right), where the action is moved further back in time, telling the story of Armie, a teenager who has a huge crush on an older woman, who, after her husband in killed in action, introduces him to the world of sex, although the next morning she leaves him to his own life, to his confusion and mixed feelings. As the protagonist says, in retrospect voice-over, at the end, "That summer I lost Armie forever", that summer marked the end of his adolescence and the loss of its dreams. |
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L'ultimo spettacolo/The last picture show (di/by Peter Bogdanovich, USA 1971) |
Quell'estate del '42/Summer of '42 (di/by Robert Mulligan, USA 1971) |
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Tuttavia, il film più famoso, candidato a
diventare il simbolo di una "età dell'innocenza" perduta da tempo è
certamente American Graffiti, che fu lanciato con gli slogan
"Dov'eri nel '62?" (vedi il video 1 qui sotto) e "Non puoi
avere diciassette anni per sempre", quindi chiaramente attraendo non
solo gli adolescenti reali, ma anche le persone che nei primi anni '60
erano adolescenti, cioè circa un decennio prima. Il film ricorda una
notte dell'estate del '62 - non una notte qualsiasi, ma quella prima che
un gruppo di adolescenti, dopo aver lasciato il liceo, è sul punto di
andare al college, o di lavorare, o semplicemente di chiedersi
cosa fare - e nel frattempo cercano di divertirsi un'ultima volta,
guidando le auto di notte, cercando ragazze ... prima che tutto cambi.
Con una ricca collezione di successi rock'n'roll come sottofondo, il
film arrivò sul mercato cinematografico proprio al momento giusto: nel
1973 la guerra del Vietnam era giunta al termine, ma nel '62 gli
adolescenti erano ancora arruolati per combattere quella guerra, JFK non
era ancora stato ucciso, e l'attrazione degli anni '50 non era ancora
finita. Quindi il film è un ricordo agrodolce di una notte in cui la
vita sarebbe sicuramente cambiata per i suoi giovani personaggi. E,
poichè il film termina con delle didascalie che raccontano cosa è
successo in seguito ai personaggi, lo stato d'animo nostalgico torna al
punto di partenza: uno dei ragazzi è disperso in azione in Vietnam, un
altro diventa un meccanico di automobili (ma viene ucciso in un
incidente d'auto), un terzo diventa un agente assicurativo, e solo
quello che effettivamente esce dalla città, schivando la leva, è ora uno
scrittore di successo ... (significativamente, non si fa menzione delle
ragazze, confermando i loro ruoli periferici e tutto sommato non molto
interessanti). Come il regista George Lucas, sui cui ricordi personali
il film è in parte basato, ha descritto quell'anno fatidico: "[Era] la fine di un'era politica, di un'era sociologica e di un'era rock. Tre epoche stanno volgendo al termine e le persone devono cambiare. Devi passare da una vita confortevole, sicura e disimpegnata al periodo della fine degli anni Sessanta, che avrebero significato impegno, campagne antimilitariste e un diverso tipo di rock'n'roll" (Nota 8) L'enorme successo di American Graffiti ha aperto la strada a un'ondata di "film nostalgici" che ha attraversato l'intero decennio. Sebbene giocato su una tonalità molto diversa, Grease (vedi il video 2 qui sotto) ebbe altrettanto successo con il pubblico di adolescenti (e non solo con loro). Ambientato in un liceo negli anni '50, ruota attorno a una semplice storia d'amore (il ragazzo - John Travolta - si innamora di una ragazza - Olivia Newton-John -, il ragazzo la rifiuta per sembrare "cool" con i suoi compagni, la ragazza cambia il suo aspetto e lo conquista) (vedi il video 1 quisotto). La storia è raccontata come un musical, con un sacco di riferimenti "d'epoca" (automobili, moda, acconciature, luoghi e, ovviamente, la colonna sonora), ma evita anche con cura le vere difficoltà dei veri adolescenti degli anni '50 (ad eccezione di una (falsa) gravidanza). E alla fine la morale è chiara: un uomo non ha bisogno di cambiare per conquistare una donna - anzi il contrario - anche se per trovare un tale dominio maschile bisogna guardare al passato. Il tono nostalgico raggiunge il suo culmine alla fine, quando l'intero gruppo di studenti si riunisce per una festa di fine anno e, quando iniziano a chiedersi cosa succederà dopo la fine del liceo, iniziano a cantare: "Staremo insieme "... anche se questa è chiaramente mostrata come una favola, poiché i due innamorati (e solo loro due) "decollano" letteralmente a bordo di un'auto, diretti verso il cielo, lasciando tutti indietro ... (vedi il video 3 qui sotto). |
However, the most renowned movie to become the symbol of a
long-lost "age of innocence" is certainly American Graffiti,
which was launched with the taglines, "Where were you in '62?" (see
video 1 below) and
"You can't stay seventeen forever", thus clearly appealing not just
to actual teenagers, but also to the people who were teenagers
then, i.e. roughly a decade earlier. The movie recalls one night
in the summer of '62 - not just any night, but the one before a
group of teenagers, after leaving high school, are on the verge of
either going to college, or to work, or simply wondering what to do
- and in the meantime try to have one final good time, driving cars
in the night, cruising for girls ... before everything changes. With
a rich collection of rock'n'roll hits as the background, the movie
hit the movie market just at the right time: in 1973 the Vietnam War
had come to an end, but in '62 teenagers were still being drafted to
fight in that war, JFK had not yet been killed, and the appeal of
the '50s was not yet over. So the movie is a bittersweet
recollection of a night when life was definitely going to change for
its young characters. And, by ending the movie with captions that
tell the audience what happened to the characters afterwards, the
nostalgic mood comes full circle: one of the boys is
missing-in-action in Vietnam, another becomes a car mechanic (but is
killed in a car accident), a third becomes an insurance agent, and
only the one who actually does get out of town, dodging the draft,
is now a successful
writer ... (significantly, no mention is made of the girls,
confirming their peripheral, and all in all not very interesting,
roles). As Director George Lucas, on whose personal
recollections the movie is partly based, described that fateful
year: "[It was] the end of a political era, a sociological era, and a rock era. You have three eras coming to an end, and people have to change. You have to go from a warm, secure, uninvolved life into the later sixties, which was involvement, antiwar stuff, and a different kind of rock'n'roll" (Note 8) The huge success of American Graffiti opened the way to a wave of "nostalgia movies" that spanned the whole decade. Although played out on a very different key, Grease (see video 2 below) was just as successful with teenage audiences (and not just with them). Set in a high school in the '50s, it revolves around a straightforward love story (boy - John Travolta - falls in love with girl - Olivia Newton-John - , boy rejects her in order to look "cool" with his mates, girl changes her looks and wins him over)(see video 1 below). The story is told as a musical, with plenty of "period" references (cars, fashion, hairstyles, locations and, of course, the soundtrack), but also carefully avoids the real plights of the real '50s teenagers (except for a (false) pregnancy). And in the end the moral is clear: a man does not need to change to win over a woman - rather the opposite - although to find such male dominance one has to look back to the past. The nostalgic tone reaches its climax at the end, when the whole group of students get together for an end-of-year carnival and, when they start wondering what will happen after high school is over, they start singing: "We'll be together" ... although this is clearly shown to be a fairy tale, as the two lovers literally "take off" in a car (just the two of them) heading for the sky, and leaving everybody behind ... (see video 3 below). |
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Video 1 American graffiti (di/by George Lucas, USA 1973) Video 2 Grease-Brillantina/Grease (di/by Randal Kleiser, USA 1978) Video 3 Grease-Brillantina/Grease (di/by Randal Kleiser, USA 1978) |
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Gli anni '70 si conclusero con un altro film
inglese che riporta al passato, Quadrophenia (vedi il video qui
sotto; il film completo in italiano è disponibile
qui), vagamente basato sull'opera rock degli Who (e il
debutto cinematografico di Sting), che ci riporta all'Inghilterra della
metà degli anni '60 e ai violenti scontri tra le bande opposte allora
imperanti dei Mods e dei Rockers. Il ritratto di questa generazione, già
presa in una vita alienante fatta di droga, sesso, balli, uscite, risse
urbane e feste deliranti, poteva benissimo riflettere la disillusione
diffusa della fine degli anni '70 - un decennio che era iniziato con
tanta speranza ed eccitazione ma che stava volgendo al termine. I valori
tradizionali della famiglia sono ormai un ricordo del passato, ma il
denaro, che sarà uno dei mantra del decennio successivo, è solo
un mezzo per comprare vestiti alla moda, andare in giro con gli scooter,
ubriacarsi e drogarsi alle feste. Jimmy (Phil Daniels) sembra trovare un
senso di appartenenza e solidarietà mentre si unisce a una folla di Mod
in una rissa di strada con la polizia a Brighton, ma la pressione di
un'esistenza senza senso lo porterà alla sua fine, mentre salta con il
suo scooter dall'alto delle Bianche Scogliere di Dover. "L'aspetto specifico, i balli, i rituali di appuntamenti, poi gli scooter e la musica che ha documentato e definito [la generazione dei Mod] suggeriva che se facevi acquisti nei negozi giusti, ballavi i balli giusti,"ti accaparravi le ragazze giuste", guidavi uno scooter italiano e ascoltavi le band appropriate, tu stavi bene ... Jimmy segue abilmente una tale moda, abbracciando l'edonismo infernale con una sorta di fervore disperato. Ma lla fine, non può sfuggire alla sua fondamentale differenza rispetto alla folla impazzita. Per quel rifiuto - in fondo è l'unico eroe del film - paga un caro prezzo" (Nota 9). |
The '70s ended with another back-to-the past British movie,
Quadrophenia (see video below; the full film is available
here), loosely based on the Who's rock opera (and Sting's
movie debut), which takes us back to the mid-'60s England and the
violent fights between the then fashionable opposing gangs of the Mods
and the Rockers. The portrait of this generation, already caught in an
alienating life made up of drugs, sex, dancing, hanging out, urban
fights and raving parties, could well resonate with the end of the '70s
widespread disillusionment as the decade, which had started with so much
hope and excitement, was drawing to an end. Traditional family
values are by now a thing of the past, but money, which will be one of
the mantras of the following decade, is just a means of buying
fashionable clothes, riding around with scooters, getting drunk and doing
drugs at parties. Jimmy (Phil Daniels) seems to find a sense of
belonging and solidarity as he joins a crowd of Mods in a street fight
with the police in Brighton - but the pressure of a meaningless
existence will lead him to his ultimate end, as he jumps with his
scooter off the White Cliffs of Dover. "The specific look, the dances, the dating rituals, then scooters, and the music that documented and defined [the Mods' generation] suggested that if you shopped at the right stores, danced the proper steps, "pulled the smart birds", drove an Italian scooter, and listened to the appropriate bands you were OK ... Jimmy ably follows such a fashion, embracing the hell-bent hedonism with a kind of desperate fervor. But at the end, he cannot escape his fundamental difference from the maddening crowd. For that refusal - after all he is the film's only hero - he pays a big price" (Note 9). |
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Quadrophenia (di/by Franc Roddam, GB 1979) |
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| Fine della Seconda parte. Vai alla Terza parte | End of Part 2. Go to Part 3 |
Note/Notes
(1) Doherty T. 1988. Teenagers & teenpics. The juvenilization of American movies in the 1950s, Unwin Hyman, Boston, p. 91.
(2) Betrock A. 1986. The I was a teenage juvenile delinquent rock'n'roll horror beach party movie book: A complete guide to the teen exploitation film, 1954-1969, St. Martin's, New York, p. 103.
(3) Tropiano S. 2006. Rebels and chicks. A history of the Hollywood teen movie. Back Stage Books, New York, pp. 44-45.
(4) Rubine I. 1958,. "Boys meet ghouls, make money", New York Times, March 16. Quoted in Doherty, cit, p. 160.
(5) Hill D. 1958-59. "The face of horror", Sight and Sound, 28, p. 7. Quoted in Doherty, cit, p. 175.
(6) Shary T. 2005. Teen movies. American youth on screen, Wallflower, London and New York, p. 33.
(7) Monaco J. 1979. American film now: The people, the power, the money, the movies, New American Library, New York, p. 60.
(8) Klemesrud J. 1973. "'Graffiti' is the story of his life", New York Times, 7 October 1973, p. 13. Quoted in Tropiano, op. cit., p. 116.
(9) Lewis J. 1992. The road to romance and ruin, Routledge, New York & London, p. 86-87.
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